El estudio Warner Bros. ofreció un vistazo a su esperada secuela del “Guasón” en la convención CinemaCon de la ciudad estadounidense de Las Vegas, el martes pasado, dejando ver sus planes para aprovechar el éxito en taquilla de “Barbie” del año pasado.
Toda la atención del evento se la robó “Joker: Folie à Deux”, la secuela de Todd Phillips de la polémica versión original que ganó un Óscar para su estrella Joaquin Phoenix y reinventó todas las posibilidades de las adaptaciones de superhéroes.
“Guasón”, de 2019, ofreció una historia oscura sobre el origen del futuro némesis de Batman, Arthur Fleck, y polarizó al público al presentar a su villano asesino como un héroe, provocando incluso temores de que pudiera inspirar tiroteos masivos.
Los rumores se han cernido sobre la secuela, que se estrenará en octubre e incorpora al reparto a la superestrella del pop Lady Gaga, y ha sido descrita como un musical. En la presentación de un nuevo tráiler, Phillips definió su último trabajo como “un filme en la que la música es un elemento esencial”, y añadió que “no se aleja demasiado de la primera película” en ese sentido.
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“Arthur es raro, distante y distante, pero lleva la música dentro, tiene gracia”, explicó el director. “Eso influyó en muchos de los bailes de la primera película... así que lo que hicimos aquí no me pareció un paso tan radical”. “Es diferente, pero creo que tendrá sentido cuando lo vean”, completó.
El tráiler muestra al Guasón de Phoenix encontrándose con la Harley Quinn de Lady Gaga en un manicomio, antes de que ambos planeen aparentemente su huida. Otras secuencias fantasiosas dejan ver a la pareja bailando románticamente en un tejado de Gotham iluminado por la luna y montando un elaborado espectáculo.
“Te diré lo que ha cambiado. Ya no estoy solo”, dice el Guasón en una escena. Phillips también agradeció a los dueños de los cines por apoyar su primera película del “Guasón” a pesar de la controversia que creó en 2019. Esa cinta llegó a recaudar más de 1.000 millones de dólares.
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La presentación de Warner en la CinemaCon también incluyó imágenes de la esperada continuación del clásico de los años 80 “Beetlejuice”, además de Robert Pattinson promocionando una nueva película de ciencia ficción del director de “Parasite”, Bong Joon-ho. Esta cita anual es una oportunidad para que los estudios de Hollywood presenten sus próximas películas a los propietarios de salas de cine de todo el mundo.
Este año, CinemaCon se celebra en un momento en que, según las previsiones del sector, la taquilla mundial anual se reducirá, en parte debido al impacto de las recientes huelgas en toda la industria. Actores y guionistas paralizaron cientos de producciones cinematográficas y televisivas de Hollywood el año pasado, dejando enormes huecos en los calendarios de estrenos actuales.
Fuente: AFP.
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Festival de Huesca reafirma su peso internacional con 77 cortometrajes de 26 países
- Por David Sánchez, desde Toulouse (Francia), X: @tegustamuchoelc (*).
El Festival Internacional de Cine de Huesca celebrará del 5 al 13 de junio su 54.ª edición convertido en uno de los certámenes de cortometrajes más importantes del panorama internacional. Fundado en 1973, el HIFF está considerado uno de los cinco festivales de cortometrajes más antiguos del mundo y uno de los dos únicos en España reconocidos por la Academia de Hollywood como clasificadores oficiales para los Premios Óscar, tanto en ficción como en documental. Además, el certamen oscense mantiene también su clasificación directa para los Premios Goya.
La edición de 2026 contará con 77 cortometrajes seleccionados entre 2.342 obras recibidas, récord histórico del festival, y procedentes de 26 países diferentes.
La programación oficial se divide en tres grandes apartados: Concurso Internacional, Concurso Iberoamericano y Concurso Documental. Las sesiones tendrán lugar en el Teatro Olimpia entre el 6 y el 12 de junio, con pases diarios a las 17:00 y 19:30 horas, además de su disponibilidad online gratuita a través de la web oficial del festival.
Portugal, país invitado de honor
Portugal será el “País de Honor” de esta edición, reforzando la dimensión internacional del certamen. El país luso tendrá presencia destacada en la programación, en los homenajes y en la propia identidad visual del festival.
El cartel oficial ha sido diseñado por el estudio portugués R2 Design, que ha construido una imagen basada en la relación entre la letra “H” de Huesca y la secuencia de fotogramas cinematográficos, incorporando además los colores de la bandera portuguesa.
Concurso Internacional de Cortometrajes
La competición internacional reunirá 30 obras procedentes de cinematografías muy diversas como Suecia, Irán, Camboya, Turquía, Ruanda o Polonia.
Entre los títulos seleccionados destacan:
- 175, de Sepehr Nosrati (Suecia, 2025)
- Grandma Nai Who Played Favorites, de Chheangkea (Camboya-Francia-EEUU, 2025)
- Besieged, de Kiarash Ardeshirpour (Irán, 2025)
- Water Girl, de Sandra Desmazières (Francia-Países Bajos-Portugal, 2025)
- The Magician, de Bogdan Muresanu (Rumanía-Francia-Croacia, 2025)
- Close, de Buse Halacoglu (Turquía, 2026)
- Melatonin, de Hannaneh Daliri (Irán, 2026)
- Chant of the Desert Flower, de Sophea Kim (Camboya-Francia, 2026)
El jurado internacional estará integrado por el productor y director Lluís Miñarro, la especialista cultural Mane Cisneros y el cineasta portugués Nuno Beato.
El ganador del Danzante Internacional obtendrá 5.000 euros y clasificación directa para los Premios Oscar.
Concurso Iberoamericano de Cortometrajes
La sección iberoamericana contará con 31 trabajos y una fuerte presencia española junto a producciones de México, Brasil, Portugal, Chile, Perú y Colombia.
Entre las obras seleccionadas aparecen:
- Swine Food, de Benjamín Figueroa (México, 2025)
- Allá en el cielo, de Roddy Dextre (Perú-Colombia-España-México)
- Cremada, de Arianna Giménez Beltrán (España, 2025)
- El regalo, de Lara Izagirre Garizurieta (España, 2025)
- Fin del verano, de Francisco Sánchez Solís (México, 2025)
- Mulher Papaya, de Camila Tarifa (Brasil, 2026)
- Ones, de Juanjo Giménez (España, 2025)
- Radiestesia, de Jacinto Velasco (México, 2026)
- Tapete Voador, de Justin Amorim (Portugal, 2025)
El jurado iberoamericano estará formado por la productora Ángeles Hernández, la actriz Gabriela Andrada y el director de producción Israel Mendoza.
El Danzante Iberoamericano entregará también 5.000 euros y acceso directo a la carrera de los Oscar.
Concurso Documental de Cortometrajes
La sección documental reunirá 16 trabajos centrados en cuestiones sociales, memoria histórica, conflictos internacionales y relaciones familiares.
Entre los títulos programados destacan:
- 15 días con 15 años, de Dacio de las Heras (España, 2025)
- Agua fría, de Meme Cabello y Antonia Cabello Valls (Chile, 2025)
- El congelador, de Raúl de la Fuente Calle y Amaia Remírez (España, 2026)
- The Echo of the Gaze, de Carles Bover (España, 2025)
- Land of Cold, de Hervé Demers (Canadá, 2025)
- The Diva, My Grandma and Me, de Inés G. Aparicio (España, 2025)
- Those Who Are Left, de Jonathan Brunner y Laura Hornberger (Alemania, 2025)
- To My Grandfather, de Sofia Samoylova (Ucrania-Alemania, 2026)
- The Ferry Flows, de Zhora Papoian (Ucrania, 2026)
El jurado documental estará compuesto por la directora de fotografía Raquel Fernández Núñez, el realizador argentino Ezequiel Troncoso y el crítico portugués Ricardo Vieira.
El Danzante Documental entregará igualmente 5.000 euros y clasificación directa para los Oscar en categoría documental.
Laia Costa, Eduard Fernández y la Cinemateca Portuguesa, protagonistas de los homenajes
La actriz Laia Costa recibirá el Premio Ciudad de Huesca Carlos Saura durante la gala inaugural del 5 de junio.
La Cinemateca Portuguesa será distinguida con el Premio Pepe Escriche por su labor en la conservación y difusión del patrimonio cinematográfico europeo.
Por su parte, Eduard Fernández recogerá el Premio Luis Buñuel el domingo 7 de junio, en una jornada que incluirá la proyección del cortometraje El otro y el documental Memoria de Los Olvidados, de Javier Espada.
Actividades paralelas y programación cultural
Además de la competición oficial, el festival desplegará una intensa agenda de actividades culturales y profesionales.
Huesca en Corto
La ciudad volverá a convertirse en pantalla gigante con “Huesca en Corto”, una proyección itinerante nocturna sobre fachadas emblemáticas.
Se proyectarán:
- Una cabeza en la pared, de Manuel Manrique
- O estado de alma, de Sara Naves
- Una monedita, de Manu Vázquez, Premio del Público HIFF 2025
Cine documental en el CDAN
El Centro de Arte y Naturaleza acogerá la proyección de El tercer paisaje, de Julen Etxebarría, acompañada de un coloquio posterior.
Ventana Aragonesa
La producción audiovisual aragonesa tendrá un espacio específico con títulos como:
- Forqué. El oficio de hacer cine, de Gaizka Urresti
- Raquel Meller. Insumisa y divina, de Vicky Calavia
Los “Cortolíticos”
La Catalítica acogerá sesiones nocturnas de cortometrajes en colaboración con Cruz Blanca, Universidad San Jorge, Cinemateca Portuguesa, Zinentiendo y la Muestra de Cine Realizado por Mujeres.
Industria audiovisual y nuevos públicos
El área de industria volverá a ser uno de los grandes ejes del certamen con pitching de cortometrajes, working progress iberoamericano, foros de coproducción y presentaciones de proyectos audiovisuales.
El festival reforzará además sus actividades dirigidas a mayores, jóvenes y niños mediante iniciativas como “Mayores al Festival”, “El Festival de Cine en las Aulas” y “Niños al Festival”, consolidando así su dimensión educativa y social.
La programación paralela incluirá también literatura, rutas cinematográficas, encuentros culturales y espectáculos al aire libre vinculados a Portugal como país invitado.
* David Sánchez es un periodista franco español afincado en Toulouse, centrado especialmente en cine iberoamericano, miembro de la crítica internacional Fipresci. Sitio: https://www.tegustamuchoelcine.com.
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Cannes 2026 consagra a Cristian Mungiu y al cine de autor en un repartido palmarés
- Por David Sánchez, desde Cannes (Francia), X: @tegustamuchoelc (*).
El 79.º Festival de Cannes cerró este sábado una edición dominada por el cine de autor europeo, las narrativas íntimas y una fuerte presencia de realizadores consolidados. El jurado presidido por Park Chan-wook otorgó la Palma de Oro a "Fjord", del rumano Cristian Mungiu, confirmando el regreso al primer plano del director de "4 meses, 3 semanas, 2 días", ganador en Cannes hace casi dos décadas.
La ceremonia de clausura dejó también uno de los palmarés más repartidos de los últimos años. El ruso Andreï Zviaguintsev obtuvo el Gran Premio por "Minotaur", mientras que el premio a la mejor dirección se dividió entre la dupla española formada por Javier Calvo y Javier Ambrossi por "La bola negra", y el polaco Pawel Pawlikowski por "Fatherland".
El cine asiático volvió a ocupar un lugar central en el palmarés gracias al japonés Ryusuke Hamaguchi, cuyas actrices en "All of a Sudden" compartieron el premio interpretativo femenino. También destacó la presencia latinoamericana en secciones paralelas y cortometrajes, con reconocimientos para producciones de Argentina, Costa Rica y México.
Competición oficial
Palma de Oro
Fjord, Cristian Mungiu (Rumanía)
Gran Premio
Minotaur, Andreï Zviaguintsev (Rusia)
Mejor dirección (ex aequo)
La bola negra, Javier Calvo y Javier Ambrossi (España)
Fatherland, Pawel Pawlikowski (Polonia)
Mejor guion
A Man of His Time, Emmanuel Marre (Bélgica)
Premio del Jurado
Das geträumte Abenteuer (The Dreamed Adventure), Valeska Grisebach (Alemania)
Mejor interpretación femenina
Virginie Efira y Tao Okamoto por All of a Sudden, de Ryusuke Hamaguchi (Japón)
Mejor interpretación masculina
Emmanuel Macchia y Valentin Campagne por Coward, de Lukas Dhont (Bélgica)
Cortometrajes
Palma de Oro de cortometraje
Para los contrincantes (For the Opponents), Federico Luis (Argentina)
Un Certain Regard
Premio Un Certain Regard
Everytime, Sandra Wollner (Austria)
Premio del Jurado
Elephants in the Fog, Abinash Bikram Shah (Nepal) (Ópera prima)
Premio Especial del Jurado
Iron Boy, Louis Clichy (Francia)
Mejor interpretación femenina
Marina de Tavira, Daniela Marín Navarro y Mariangel Villegas por Siempre soy tu animal materno, de Valentina Maurel (Costa Rica / México)
Mejor interpretación masculina
Bradley Fiomona Dembeasset por Congo Boy, de Rafiki Fariala (República Democrática del Congo)
Cámara de Oro
Caméra d’Or
Ben’imana, Marie-Clémentine Dusabejambo (Ruanda)
La Cinef
Primer Premio
Laser-Gato (Laser-Cat), Lucas Acher (Estados Unidos) — NYU
Segundo Premio
Silent Voices, Nadine Misong Jin (Estados Unidos) — Columbia University
Tercer Premio (ex aequo)
Aldrig Nok (Never Enough), Julius Lagoutte Larsen (Francia) — La Fémis
Growing Stones, Flying Papers, Roozbeh Gezerseh y Soraya Shamsi (Alemania) — Filmuniversität Babelsberg Konrad Wolf
Premios técnicos CST
El Premio CST al Artista-Técnico fue para Nicolas Rumpl, montador de A Man of His Time, por “la sutileza de sus decisiones de montaje y su contribución a la estética visual de la película”, según el jurado técnico.
El Premio CST a la Joven Técnica recayó en Esther Mysius, directora artística de The Birthday Party, dirigida por Léa Mysius.
* David Sánchez es un periodista franco español afincado en Toulouse, centrado especialmente en cine iberoamericano, miembro de la crítica internacional Fipresci. Sitio: https://www.tegustamuchoelcine.com.
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El fenómeno de terror viral “Backrooms” llega a los cines
“Backrooms: sin salida”, la esperada producción cinematográfica que traslada el fenómeno de terror digital más grande de los últimos años a la pantalla grande, se prepara para su estreno en salas de todo el país este jueves 28 de mayo, de la mano de Mediagroup Entertainment. Ya se encuentra abierta la preventa de entradas en las boleterías de los cines.
Dirigida por el joven prodigio Kane Parsons y respaldada por grandes sellos del género, esta película promete sumergir a la audiencia en una atmósfera asfixiante de terror analógico y tensión psicológica insoportable que redefinirá las pesadillas de una nueva generación.
La película de terror dirigida por Kane Parsons gira en torno a una psicóloga que enfrenta el caso más desconcertante de su carrera cuando uno de sus pacientes desaparece sin dejar rastro en circunstancias imposibles. Al investigar, descubre que ha sido absorbido por una dimensión alternativa: un espacio infinito de habitaciones vacías, pasillos interminables, paredes amarillas y luces fluorescentes.
Tras su reciente estreno internacional, la prensa especializada ya aclama este título como el nuevo referente del horror contemporáneo. Medios clave destacan su arrolladora atmósfera: “Una pesadilla claustrofóbica y asfixiante de la que es absolutamente imposible escapar” (Variety); “Parsons traslada con maestría el terror analógico de YouTube a la escala cinematográfica” (IndieWire); y “El diseño de sonido y la tensión constante te mantendrán al borde del colapso” (Bloody Disgusting).
Cinco datos curiosos
El origen de la pesadilla: el concepto de los “Backrooms” nació en 2019 de forma anónima en el foro de internet 4chan. Un usuario subió una imagen de un pasillo amarillo con luces de oficina bajo la premisa de que es un lugar al que caes si te sales de los límites de la realidad física (“hacer noclip”). Hoy en día es uno de los universos colaborativos de terror digital más grandes de la red.
De YouTube a la pantalla grande: el director Kane Parsons tenía solo 16 años cuando creó y subió a YouTube su cortometraje casero de 9 minutos The Backrooms (Found Footage). Su impecable uso del CGI y el realismo analógico acumuló decenas de millones de visitas, captando de inmediato el interés de las productoras más prestigiosas de Hollywood.
¿Qué es el “Noclip”? Este término procede de los trucos de los videojuegos clásicos en los que los jugadores podían atravesar paredes sólidas y caer “fuera del mapa”. En la mitología de la película, este fenómeno ocurre en la vida real, atrapando a los desafortunados en un laberinto sin salida.
El arte del espacio liminal: gran parte de la tensión de la película no depende de monstruos tradicionales, sino de la incomodidad de los “espacios liminales”: lugares públicos de tránsito que normalmente están llenos de gente (como oficinas, centros comerciales o pasillos), pero que aquí aparecen infinitos, desiertos y acompañados del zumbido eléctrico de luces fluorescentes.
Apoyo de gigantes del género: la película cuenta con la producción y distribución de gigantes que han moldeado el cine de terror moderno (asociados a sellos como A24 y Atomic Monster de James Wan), asegurando que la esencia independiente y el estilo analógico de la obra original se mantengan intactos en la película.
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Cannes 2026: crítica de “Siempre soy tu animal materno” de Valentina Maurel
- Por David Sánchez, desde Toulouse (Francia), X: @tegustamuchoelc (*).
La nueva película de Valentina Maurel llega a la sección Festival de Cannes dentro de Un Certain Regard, un espacio históricamente asociado a cineastas emergentes, propuestas de autor y obras que priorizan la sensibilidad estética por encima de la narración convencional. Lo llamativo aquí es que Maurel, tras años orbitando el ecosistema del cine de festivales y las instituciones francesas de formación y financiación, consigue dar el salto directo a la selección oficial de Cannes. No es un detalle menor. En una industria donde muchos directores pasan años acumulando presencia en secciones menores, residencias o festivales intermedios antes de alcanzar esta plataforma, el recorrido de Maurel evidencia hasta qué punto la película ha sido concebida y moldeada para dialogar con el lenguaje específico del gran circuito festivalero europeo.
La historia sigue a Elsa, una joven de 28 años que regresa a Costa Rica después de años en Europa y se reencuentra con su hermana menor Amalia, absorbida por un universo entre el esoterismo, la deriva emocional y el vacío existencial. Paralelamente, el padre, Nahuel, intenta escapar de la decadencia afectiva a través de conquistas románticas pasajeras, mientras la madre, Isabel, revive su pasado republicando poemas eróticos escritos durante su juventud. Sobre el papel, la película plantea un retrato fragmentado de una familia en crisis, donde cada personaje parece buscar desesperadamente una forma distinta de escapar de sí mismo.
Sin embargo, el problema central aparece muy pronto: la película nunca consigue convertir esas líneas narrativas en una experiencia dramática verdaderamente sólida. Maurel intenta construir tres relatos simultáneos —el de Elsa, el de Amalia y el de Isabel—, pero ninguno termina de adquirir la densidad suficiente. Elsa, pese a ser la aparente protagonista, queda constantemente desplazada por la puesta en escena. Su conflicto interno está sugerido, pero rara vez se siente vivo. Falta fricción, falta una dinámica emocional que haga que el personaje se adhiera realmente a la historia. Se percibe como una figura observadora, casi externa al caos familiar que debería atravesarla.
La hermana menor, Amalia, funciona mejor precisamente porque su dimensión esotérica y errática introduce cierta tensión imprevisible. Aunque el guion nunca profundiza del todo en sus motivaciones, su presencia posee algo incómodo y descontrolado que mantiene el interés durante varios momentos. Hay escenas donde la relación entre ambas hermanas parece encontrar por fin una verdad emocional, especialmente cuando la distancia afectiva entre ellas emerge sin necesidad de explicaciones verbales. Pero incluso ahí la película se retrae antes de profundizar realmente en el conflicto.
El gran problema es que Maurel parece confiar más en la atmósfera que en la construcción dramática. La película está llena de imágenes calculadas para el impacto contemplativo: planos lejanos de la ciudad, patrullas avanzando lentamente por calles vacías, sombras proyectadas desde terrazas o interiores donde los personajes aparecen aislados dentro del encuadre. Son imágenes elegantes, indudablemente pensadas con sensibilidad visual, y en muchos casos logran una belleza melancólica genuina. Pero también terminan revelando una cierta dependencia del lenguaje que tradicionalmente seduce a los festivales internacionales: silencios prolongados, cuerpos fragmentados, conversaciones interrumpidas y conflictos insinuados más que desarrollados.
El problema es que toda esa sofisticación formal no alcanza para sostener las casi dos horas de metraje. La película se vuelve progresivamente tediosa, incluso agotadora. Hay secuencias que parecen diseñadas más para transmitir una sensación abstracta de incomodidad que para avanzar narrativamente. Cuando la cámara separa constantemente a las hermanas, cuando la tensión esotérica de Amalia deriva en explosiones de rabia apenas explicadas o cuando escenas aparentemente importantes desaparecen sin consecuencia dramática, el relato pierde cohesión y el espectador empieza a desconectarse emocionalmente.
Esa es quizás la gran contradicción de la película: está claramente diseñada para satisfacer ciertos códigos del cine de autor contemporáneo, pero olvida construir una experiencia verdaderamente absorbente. Se percibe la influencia de un entorno cinematográfico muy ligado a escuelas e instituciones europeas —particularmente francesas— donde el dispositivo visual y la ambigüedad emocional son tratados casi como valores absolutos. Y aunque Maurel demuestra talento visual y capacidad para generar atmósferas densas, todavía parece faltar una mirada más madura sobre los personajes y sobre el peso dramático de sus decisiones.
Eso no significa que la película carezca de interés. Al contrario: hay intuiciones potentes, momentos visuales muy logrados y una sensibilidad real para retratar la alienación contemporánea. Pero entre la ambición estética y la necesidad de construir un relato coherente aparece un desequilibrio constante. La película quiere ser íntima, política, existencial y poética al mismo tiempo, y en ese intento termina dispersándose.
Su presencia en Un Certain Regard tiene sentido precisamente por eso: es el tipo de obra que Cannes suele abrazar por su riesgo formal, por su ambición autoral y por su capacidad para insertarse en el discurso del cine contemporáneo de festivales. Pero fuera de ese ecosistema, donde la experiencia emocional y narrativa pesa tanto como la propuesta estética, la película corre el riesgo de resultar distante, fría y excesivamente ensimismada.
* David Sánchez es un periodista franco español afincado en Toulouse, centrado especialmente en cine iberoamericano, miembro de la crítica internacional Fipresci. Sitio: https://www.tegustamuchoelcine.com.