El ingeniero Rubén Sanabria, titular de la Coordinadora Agrícola del Paraguay (CAP), manifestó que los productores piden una aclaración a las multinacionales sobre los precios pagados por cargas de soja, atendiendo a que estos son socios muy importantes para el rubro ya que son los que manejan el mercado.

“Si nosotros no vamos para atrás, no cubrimos nuestro costo de producción, vamos también a dejar de invertir en mejoramiento del suelo, vamos a dejar de incorporar tecnología de punta”, comentó a la 1.000 AM. Agregó que incluso podría repercutir en una baja en el rendimiento de la producción, con lo cual también iría en contra de las grandes empresas, porque había menos producción y producto para explotar, y ganarán menos.

Sostuvo que actualmente los precios se encuentran por los USD 400, inclusive por debajo a nivel de la Bolsa de Chicago. “Entonces las multinacionales normalmente nos hacen un descuento (premio) que es el procesamiento de los granos entregados al silo, el transporte hasta los puertos de embarques y eso es un USD 40 o USD 50”, comentó.

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En ese sentido, recordó que en situaciones como la baja del río, cuando las barcazas operan a menor capacidad, también sube el descuento o por cuestiones de subas del gasoil. “Entonces cargamos a un 5 dólares más, pero el mes pasado estaba a USD 40 y USD 45, pero ahora avanzaron a USD 70 dólares”, alegó.

Sostuvo que “el agricultor ya no está en condiciones de absorber”, y su costo ya no lo cubre con USD 300 o debajo de ese monto por tonelada. En ese contexto, puntualizó que ya se registraron subas del río, bajó el combustible y los mercados internacionales están totalmente abiertos, por lo cual la suba no correspondería.

“En otro tiempo subían los precios internacionales y se nos pagaba más, porque esos costos también quedaban fijos y los precios internacionales aumentaban y, por ende, teníamos un poco más de ingresos“, aseguró. La preocupación generalizada apunta a las zonas de mayor producción como Alto Paraná, Canindeyú, Itapúa, San Pedro, entre otras.

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• Por David Sánchez, desde Cannes (Francia), X: @tegustamuchoelc (*).

Momoko Seto, directora japonesa que vive en Francia, ha presentado su largometraje “Planètes” en la clausura de la Semana de la Crítica del Festival de Cannes 2025. Este film de 75 minutos, con diseño sonoro de Nicolas Becker, sigue a cuatro semillas de diente de león —Dandelion, Baraban, Léonto y Taraxa— que, tras explosiones nucleares que arrasan la Tierra, son lanzadas al cosmos en una odisea visual. “Para ver mejor, hace falta emoción, una historia”, explica Seto, cuya búsqueda de conectar con el ecosistema a través de fenómenos naturales define esta obra.

Nacida en Japón, un país líder en animación, Seto no planeaba dedicarse a este campo. “No quería hacer animación, quería ser artista plástica”, confiesa. Estudió en la Escuela de Bellas Artes de Marsella y luego en Le Fresnoy, en el norte de Francia, antes de establecerse en París para trabajar. “Soy como una semilla de diente de león que se vuela con el viento y aterricé allí”, dice sobre su llegada a Francia. Su incursión en la animación fue accidental, iniciada con cuatro cortometrajes llamados “Planetas Z”, “Sigma”, “A” e “Infinity”, donde experimentó con técnicas para capturar la naturaleza.

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“Planètes” nació tras tres años de escritura junto a su coguionista Alain Layrac. “Entendí que contar una historia permite ver aún más”, afirma Seto, quien transformó su exploración visual en una aventura de cuatro semillas buscando un hogar. El rodaje, que duró 260 días a lo largo de dos años y medio, fue una proeza técnica. En Borgoña, convirtieron una orangerie en un estudio con seis espacios de animación, 17 cámaras, robots y un sistema que sincronizaba luces y disparos. “Era una locura, una gran maquinaria”, admite. También filmaron tres semanas en Islandia, tres meses en Japón, tres semanas en Bretaña y una semana en el sur de Francia.

El film combina animación 3D para los personajes, timelapse para acelerar procesos como el crecimiento de plantas, slow motion con cámaras Phantom para descomponer movimientos rápidos —“una abeja se convierte en águila al volar más lento”—, y macro para magnificar detalles. Seto y su equipo, a veces de solo dos personas junto a su director de fotografía y un ingeniero, innovaron con un brazo robótico y ópticas propias, como un periscopio para tomas subacuáticas en contrapicado. “Cada imagen tiene al menos cuatro capas de fotos o videos”, explica.

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El mayor desafío fue anticipar la luz y el fondo para planos que podían incluir elementos filmados con un año de diferencia. “Hay que saber exactamente la orientación de la luz, su suavidad, para que todo coincida”, detalla. Aunque los productores, familiarizados con los tres meses de rodaje de sus cortos, subestimaron la magnitud del proyecto, Seto describe Planètes como un “OVNI”, un híbrido que no encaja en narrativas tradicionales ni en temas políticos explícitos. Solo incluye una crítica sutil: “Las tres bombas al inicio muestran que el humano se mata a sí mismo, es un poco estúpido”.

Sobre su recepción en Japón, donde el anime domina, es cauta: “No sé si será popular, pero como no habla, es accesible a todos”. Tras Cannes, “Planètes” competirá en la sección oficial de Annecy, el festival más importante de animación, consolidando a Seto como una voz única.

* David Sánchez es un periodista franco español afincado en Toulouse, centrado especialmente en cine iberoamericano, miembro de la crítica internacional Fipresci. Sitio: https://www.tegustamuchoelcine.com.

• Por David Sánchez, desde Cannes (Francia), X: @tegustamuchoelc (*).

Parece concebida como un experimento: un ensayo tragicómico sobre la creación artística, la decadencia masculina, y la supuesta trascendencia de la poesía en un mundo que no la necesita. Sin embargo, lo que podía haber sido un retrato melancólico y lúcido sobre el fracaso —personal y estético— termina convirtiéndose en una acumulación de decisiones formales y narrativas que resultan más autoindulgentes que efectivas.

Rodada en 16 milímetros, con un formato 4:3 que busca evocar una estética de otra época —quizá en correspondencia con la anacronía de su protagonista y su universo poético marginal—, “Un poeta”, de Simón Mesa Soto, se construye desde el principio como una película que demanda ser tomada en serio. Y esa es precisamente su trampa: el uso del celuloide y del encuadre cuadrado, lejos de ser herramientas expresivas al servicio de la historia, se sienten como gestos estéticos vacíos, una especie de pedantería visual que acompaña bien el discurso elitista de su protagonista, pero que no se justifica en términos narrativos ni emocionales. No hay una relación directa entre el lenguaje fílmico y el mundo interno de los personajes, sino una afectación formal que termina distanciando más que acercando.

El relato gira en torno a Óscar, un profesor de literatura que, rondando los cincuenta o sesenta, vive en la sombra de una vida artística que nunca fue. El personaje encarna todos los clichés del poeta frustrado: egocéntrico, misógino, narcisista, decadente. Su única válvula de escape es Yurlady, una joven de origen humilde a quien intenta formar como poeta, en una relación ambigua que combina paternalismo, deseo encubierto y una búsqueda desesperada de redención personal. Mesa Soto, según sus propias palabras en las notas de prensa, quiso hacer una película libre, casi punk, que reflexionara sobre el arte desde dentro, y que usara la poesía como canal para hablar de lo inútil y lo esencial. Sin embargo, lo que logra es un film errático, que salta de escena en escena sin lógica interna, con acciones que resultan inverosímiles y que parecen más pensadas para causar un efecto (poético, irónico o absurdo) que para construir personajes complejos o un relato con ritmo y coherencia.

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Uno de los mayores problemas de la película es su inconsistencia tonal. A ratos quiere ser una comedia absurda, como en la escena delirante de la discusión entre personajes para decidir quién ha sufrido más históricamente: si las mujeres o los pueblos indígenas. En otros momentos coquetea con el humor feminista paródico, como cuando una mujer realiza una especie de performance de baile contra el patriarcado. Estos momentos, que podrían funcionar como crítica social o sátira lúcida, están mal integrados al resto del film, que en general se toma demasiado en serio a sí mismo. El resultado es una mezcla poco lograda entre comedia y drama, donde el humor no aligera el peso de lo solemne, sino que lo ridiculiza.

Hay algo en “Un poeta” que recuerda a “Los delincuentes” (Rodrigo Moreno, 2023), en esa manera de plantear situaciones serias desde el absurdo o el extrañamiento. Pero mientras en aquella película el tono está perfectamente calibrado y las actuaciones están medidas al milímetro, aquí todo parece excesivo. El principal ejemplo de ello es la actuación de Ubeimar Ríos, quien interpreta a Óscar. Su trabajo es tan desproporcionado, tan cargado de gestos y énfasis ridículos, que por momentos parece un personaje de Saturday Night Live antes que un hombre herido por el paso del tiempo y el fracaso vital. Ríos, un no actor (o actor natural) elegido por el director por su autenticidad y su conexión con la poesía, no logra transmitir ni la vulnerabilidad ni la inteligencia que el papel exige. Se dirá que es un recurso estilístico —una actuación grotesca a lo Buster Keaton descompuesto—, pero lo cierto es que su presencia rompe cualquier posibilidad de empatía o de credibilidad. A ratos parece que el director lo empuja a sobreactuar, como si quisiera que su caricatura simbolizara algo, sin que ese algo se haga visible. Es inevitable pensar en casos similares, como Viaje, del director peruano José Fernández del Río, donde el protagonista Marco Antonio Miranda también fue llevado por el director a una sobreactuación forzada que terminó arruinando el proyecto.

En contraste, las dos actrices protagonistas, Rebeca Andrade y Allison Correa, ofrecen actuaciones mucho más sólidas. Andrade, en particular, aporta una frescura y una sinceridad que le da algo de humanidad al relato. Sin embargo, el guion no le permite desplegar todo su potencial. La relación entre Óscar y Yurlady nunca se define claramente: no hay tensión, ni evolución, ni complicidad real. Es una relación funcional al discurso, pero sin carne dramática. Algo similar ocurre con la madre de Óscar: un personaje que declara su deseo de morir, pero cuya relación con su hijo es fría y carente de matices. No hay rencor, ni amor, ni siquiera indiferencia. Hay texto dicho, pero no vivido.

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El entorno educativo, otro de los escenarios del film, termina siendo también un espacio caricaturesco. Los profesores parecen salidos de una parodia, y las interacciones entre ellos recuerdan a un sketch fallido. Se entiende que el director buscaba un tono cómico-satírico, pero lo que resulta es una confusión entre estilo e ineficacia actoral. Como espectador, uno no sabe si reír, incomodarse o aburrirse.

Hay, eso sí, una voluntad autoral detrás del film. Mesa Soto quiere hablar de los dilemas de la creación artística, de la diferencia de clases, de la instrumentalización del otro en el arte, y de la fragilidad del hombre maduro en crisis. Y lo hace desde un lugar íntimo, casi confesional. Pero la falta de cohesión, el desbalance actoral y la desconexión emocional hacen que el resultado se sienta más como un ejercicio inconcluso que como una obra lograda.

En última instancia, Un poeta parece hablar más de su director que de sus personajes. Es un film que oscila entre el ensayo y la autoficción, entre la sátira y el autorretrato. Pero como ocurre con ciertos poetas que se enamoran más de su estilo que de lo que quieren decir, Mesa Soto termina atrapado en su propia imagen. Y el espectador queda afuera, mirando un espectáculo que no conmueve ni divierte, sino que provoca, a lo sumo, una reflexión amarga: que no basta con tener una buena intención artística si no hay una película que la sostenga.

* David Sánchez es un periodista franco español afincado en Toulouse, centrado especialmente en cine iberoamericano, miembro de la crítica internacional Fipresci. Sitio: https://www.tegustamuchoelcine.com.

• Por David Sánchez, desde Cannes (Francia), X: @tegustamuchoelc (*).

Nos encontramos en la terraza de Unifrance en Cannes y la realidad es que Unifrance despliega constantemente un abanico de iniciativas brillantes para promover el cine francés más allá de sus fronteras, demostrando una pasión inquebrantable por su difusión. Entre ellas destaca el My French Film Festival, que ofrece acceso gratuito a películas francesas, llevando historias únicas a audiencias globales.

También brilla el Rendez-vous de Unifrance en París, donde periodistas de todo el mundo descubren y escriben sobre el cine galo, amplificando su alcance. Además, este evento donde nos encontramos, los encuentros “10 to Watch” permiten conocer a diez talentos emergentes, como India Hair, en un ambiente que rezuma amor por el cine. Apoyados por el CNC y Unifrance, estas iniciativas reflejan un compromiso excepcional con la distribución y la celebración del cine francés, asegurando que su vitalidad trascienda fronteras.

La actriz francesa India Hair, conocida por su versatilidad y su capacidad para encarnar personajes complejos, participó por primera vez en los encuentros “10 to Watch”, donde nos compartió su entusiasmo por esta experiencia, destacando la importancia de la visibilidad global para los actores. “Es magnífico, en realidad. Lo que hacen por nosotros, querer promocionarnos para que tengamos más visibilidad en el cine internacional, la forma en que nos reciben... Creo que es realmente muy hermoso lo que hacen”, expresó con sinceridad.

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Con una trayectoria que incluye reconocimientos como el premio de la Académie des Lumières de la prensa internacional en Francia y participaciones en festivales prestigiosos como Venecia y Cannes, Hair no busca simplemente más exposición, sino la oportunidad de colaborar con directores que admira. “La idea siempre es trabajar con directores que admiramos. Así que, si nos ven, si se acuerdan de nosotros, eso es lo importante”, afirmó. Entre sus sueños cumplidos, destaca haber trabajado con cineastas como Alain Guiraudie y Emmanuel Mouret, y ahora aspira a colaborar con nombres como Cristian Mungiu o Dominik Moll.

Hair, hija de un padre estadounidense-francés y una madre inglesa, es bilingüe en francés e inglés, una ventaja que podría abrirle puertas en mercados internacionales. Sin embargo, la actriz admite que no ha reflexionado demasiado sobre trabajar en Inglaterra o Estados Unidos. “Creo que debería pensar más en eso. Si hay un director o directora cuyo proyecto me guste, sería un placer”, comentó, mostrando una apertura hacia nuevas oportunidades sin que estas sean una prioridad inmediata.

Su interés por el cine trasciende fronteras, y en la entrevista expresó su fascinación por el cine latinoamericano, que descubre a través de cines de ensayo en Francia. “Nunca he viajado a esos países, por ejemplo, pero aun así sientes una sensación de alteridad y comprensión, tal vez de ciertas cuestiones políticas, gracias a las películas”, explicó. La posibilidad de rodar en América Latina, como en México, le resulta especialmente atractiva: “Sería fascinante. Creo que una de las mejores maneras de descubrir un país es cuando ruedas una película”. Hair ya ha tenido experiencias internacionales, habiendo filmado en Tailandia e India, lo que describe como una forma única de sumergirse en otras culturas a través de los equipos de rodaje y los lugares que no visitaría como simple turista.

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Uno de los momentos más desafiantes de su carrera, según relató, fue su papel como Johann en Trois amis de Emmanuel Mouret. “Sobre todo por la cantidad de texto y porque era en plano secuencia. Al principio me preocupaba, porque además tenía mucha admiración por este director”, confesó. Sin embargo, este reto se transformó en una experiencia “extremadamente placentera”, demostrando su capacidad para enfrentar papeles complejos con éxito.

Hair encuentra inspiración en actrices como Bette Davis, cuya intensidad y entrega “carnívora” y “punk” admira profundamente, y Liv Ullmann, cuya lucha contra la timidez la lleva a superar límites de manera impredecible. Estas influencias reflejan su propio enfoque hacia la actuación, caracterizado por un compromiso total con cada personaje.En cuanto a sus proyectos futuros, Hair está entusiasmada con su participación en la película Jeunes Mères, en competición oficial con los hermanos Dardenne, que describe como “una de mis mejores experiencias trabajando con ellos”, y en “Les matins merveilleux”, cuyo rodaje finalizó recientemente. También espera con ansias el estreno de la serie Sudest Babylone para Canal+, rodada en Tailandia. “Estoy muy emocionada por verla. ¡Ya quiero que salga!”, exclamó. Con su talento, curiosidad cultural y disposición a explorar nuevos horizontes, India Hair se consolida como una figura a seguir en el cine contemporáneo, no solo en Francia, sino en el escenario global.

* David Sánchez es un periodista franco español afincado en Toulouse, centrado especialmente en cine iberoamericano, miembro de la crítica internacional Fipresci. Sitio: https://www.tegustamuchoelcine.com.