• Por David Sánchez, desde Toulouse (Francia), X: @tegustamuchoelc (*).

La XIII edición de los Premios PLATINO XCARET ya conoce a sus finalistas. Un total de 30 películas y 19 series iberoamericanas competirán por los máximos reconocimientos del audiovisual en español y portugués en una gala que se celebrará el 9 de mayo de 2026 en el Teatro Gran Tlachco del Parque Xcaret, en Riviera Maya, México. En esta edición, 14 de los 23 países participantes aspiran a conquistar alguna de las estatuillas.

Entre los largometrajes nominados a Mejor Película Iberoamericana de Ficción figuran Aún es de noche en Caracas, de Marité Ugás y Mariana Rondón; Belén, dirigida por Dolores Fonzi; Los Domingos, de Alauda Ruiz de Azúa; O agente secreto, de Kleber Mendonça Filho; y Sirât, de Oliver Laxe. En televisión, el premio a Mejor Miniserie o Teleserie se disputará entre Anatomía de un instante, Chespirito: sin querer queriendo, El Eternauta y Las muertas. Además, en la categoría de Mejor Serie de Larga Duración competirán Beleza Fatal, La promesa, Sueños de libertad y Velvet: el Nuevo Imperio.

La competición llega especialmente reñida en las principales categorías. En cine, Belén y Los Domingos encabezan la lista con 11 nominaciones cada una, seguidas de O agente secreto, con 8, y Sirât, con 7. En el apartado televisivo, El Eternauta lidera con 13 nominaciones, mientras que Anatomía de un instante suma 12, consolidándose como una de las grandes favoritas de la edición.

En interpretación cinematográfica, los nominados a Mejor Interpretación Masculina son Alberto San Juan por La Cena, Guillermo Francella por Homo Argentum, Ubeimar Ríos Gómez por Un poeta y Wagner Moura por O agente secreto. En Mejor Interpretación Femenina, las aspirantes son Blanca Soroa y Patricia López Arnaiz por Los Domingos, Dolores Fonzi por Belén y Natalia Reyes por Aún es de noche en Caracas.

También destacan las categorías de reparto. En cine, optan al galardón Álvaro Cervantes, Edgar Ramírez, Juan Minujín y Rodrigo Santoro en interpretación masculina de reparto, mientras que en la femenina aparecen Camila Pláate, Dira Paes, Julieta Cardinali y Nagore Aranburu. En televisión, sobresalen nombres como Ricardo Darín, Álvaro Morte, Javier Cámara y Leonardo Sbaraglia en interpretación masculina, así como Candela Peña, Carla Quílez, Griselda Siciliani y Paulina Gaitán en la categoría femenina.

La presente edición también refleja la amplitud del talento iberoamericano en áreas técnicas y creativas. Las nominaciones abarcan dirección, guion, música original, montaje, dirección de arte, fotografía, sonido, vestuario, efectos especiales y maquillaje y peluquería, tanto en cine como en miniseries o teleseries. Entre las producciones con mayor presencia en estos apartados figuran Los Domingos, Belén, O agente secreto, Sirât, El Eternauta y Anatomía de un instante.

Uno de los aspectos más destacados de esta edición es la ampliación del número de categorías, una decisión con la que la organización busca reconocer de forma más amplia el trabajo de quienes hacen posible las producciones audiovisuales, tanto delante como detrás de las cámaras. Este crecimiento se traduce en una representación iberoamericana más amplia que en años anteriores y en una presencia reforzada de países como Argentina, Brasil, España y México, especialmente en las categorías principales de cine y televisión.

La organización también informó de que, para agilizar la gala principal, parte de los premios se entregarán previamente. Así, el 16 de abril se darán a conocer los ganadores de 21 categorías técnicas e interpretativas de reparto, mientras que los premios principales se anunciarán durante la ceremonia del 9 de mayo en Riviera Maya.

Promovidos por EGEDA y FIPCA, en colaboración con FIACINE, los Premios PLATINO XCARET cuentan con el respaldo de diversas instituciones y patrocinadores, y vuelven a posicionarse como una de las grandes vitrinas del audiovisual iberoamericano. La edición de 2026 promete reunir a buena parte del talento de la región en una celebración que confirma la fortaleza, diversidad y proyección internacional del cine y las series producidas en Iberoamérica.

* David Sánchez es un periodista franco español afincado en Toulouse, centrado especialmente en cine iberoamericano, miembro de la crítica internacional Fipresci. Sitio: https://www.tegustamuchoelcine.com.

• Por David Sánchez, desde Tesalónica (Grecia), X: @tegustamuchoelc (*).

La actriz francesa Juliette Binoche participó en una conversación abierta con el público el 12 de marzo de 2026 en el marco del 28.º Thessaloniki International Documentary Festival (TiDF), celebrado en la ciudad de Thessaloniki. El encuentro tuvo lugar en el John Cassavetes Theater, con motivo del estreno griego de su primer trabajo como directora, “In‑I in Motion”.

La charla, titulada “In front of and behind the camera. My directorial debut in documentary filmmaking”, fue moderada por el responsable de programación del festival, Yorgos Krassakopoulos. Ante una sala llena, Krassakopoulos dio la bienvenida a la actriz destacando la sinceridad que atraviesa su primera incursión en el documental: una obra que, según señaló, transmite “una verdad y una autenticidad que reflejan plenamente su temperamento artístico”.

Durante la conversación, Binoche habló del proceso interior que acompaña a la actuación y de cómo el arte se convierte para ella en una forma de exploración personal.

“Como actor estás llamado cada día a ser honesto, no solo contigo mismo sino con toda la humanidad”, explicó. Para la intérprete, el trabajo actoral implica enfrentarse a los propios miedos y a las zonas más oscuras del subconsciente, un proceso que considera profundamente transformador.

La actriz también reflexionó sobre la dimensión emocional del trabajo creativo. Según afirmó, conectar con las emociones es el origen de toda forma de arte, aunque eso implique renunciar al control. “En un mundo que a menudo parece aterrador, lo que necesitamos es creatividad”, subrayó.

Binoche reveló que llevaba años imaginando la posibilidad de dirigir. El proyecto se concretó cuando productores la animaron a llevar a cabo la idea.

“Siempre soñé con dirigir algún día, impulsada por la necesidad de seguir creciendo”, afirmó. Aunque reconoció que el proceso era en gran parte desconocido para ella, decidió aceptar el reto y explorar nuevas formas de creación.

In-I in Motion documenta precisamente ese viaje creativo, en el que la actriz se enfrenta a la incertidumbre, al miedo y a sus propias limitaciones. Para Binoche, aceptar esas emociones forma parte esencial del proceso: “Nunca puedes librarte completamente del miedo, pero puedes aceptarlo, y cuando lo haces, te transforma”.

Uno de los aspectos más complejos de la realización del documental fue el montaje. La actriz explicó que el proceso implicó tomar decisiones difíciles, incluso eliminar escenas que le gustaban, para mantener la coherencia narrativa de la película.

En el documental, Binoche aparece tanto delante como detrás de la cámara. Gran parte del material fue filmado por su hermana, cuya experiencia permitió capturar momentos íntimos del proceso creativo. Sin embargo, fue en la sala de montaje donde la directora tomó las decisiones finales para preservar la autenticidad del relato.

“Hubo una escena que mi montador había construido de forma muy hermosa, pero no reflejaba la realidad. Por eso insistí en no incluirla”, explicó, subrayando que la búsqueda de la verdad es central en su forma de entender el arte.

Durante el encuentro también participó el director artístico del festival, Orestis Andreadakis, junto con la directora general del certamen, Elise Jalladeau.

En su intervención final, Binoche —actual presidenta de la European Film Academy— destacó la riqueza del cine europeo y la importancia de su diversidad cultural.

“Nuestras diferencias son nuestra fuerza. Son lo que nos une”, afirmó.

La actriz aprovechó además la ocasión para rendir homenaje al recientemente fallecido documentalista Frederick Wiseman, a quien describió como uno de los grandes referentes del género. “Los documentalistas son verdaderos guerreros. Luchan por sobrevivir y por mostrar la verdad del mundo”, concluyó.

* David Sánchez es un periodista franco español afincado en Toulouse, centrado especialmente en cine iberoamericano, miembro de la crítica internacional Fipresci. Sitio: https://www.tegustamuchoelcine.com.

• Por David Sánchez, desde Tesalónica (Grecia), X: @tegustamuchoelc (*).

En la programación del Festival Internacional de Documentales de Tesalónica (TiDF) se ha colado este año una de esas películas que recuerdan por qué el cine documental sigue siendo una de las formas más poderosas de mirar el mundo. “Frost uten snø og is” (2026), dirigida por el fotógrafo y cineasta noruego Asgeir Helgestad, es un trabajo que habla de maternidad, naturaleza y pérdida sin caer en el sentimentalismo fácil. Y lo hace con algo cada vez más raro en el cine contemporáneo: paciencia.

Durante más de una década, Helgestad filmó en el archipiélago ártico de Svalbard, uno de los lugares del planeta donde el calentamiento global avanza con mayor velocidad. Allí conoció a Frost, una osa polar que intenta sacar adelante a sus crías en un ecosistema cada vez más frágil. Lo que en otros documentales sería una narración didáctica sobre el deshielo se convierte aquí en algo más íntimo: la historia de una madre que lucha contra un mundo que cambia demasiado rápido.

La película abre con una decisión narrativa sorprendente. Desde el principio sabemos que los hijos de Frost murieron. No hay suspense artificial ni manipulación emocional. Esa revelación temprana elimina cualquier tentación de convertir la historia en un melodrama animalista. Lo que queda es otra cosa: un retrato sereno, casi elegíaco, de la maternidad en un paisaje que se desmorona.

Helgestad no intenta humanizar en exceso a su protagonista. Frost no habla, no tiene voz en off imaginaria, no se convierte en un personaje de ficción. Y, sin embargo, pocas veces el cine ha transmitido con tanta claridad la idea de cuidado, esfuerzo y vulnerabilidad.

La maternidad aparece aquí como un acto físico: caminar kilómetros sobre hielo cada vez más inestable, proteger a las crías de otros osos, buscar alimento en un entorno que ya no funciona como antes.

Uno de los mayores logros del documental es el tiempo que hay detrás de cada plano. En una época dominada por la inmediatez y por la estética del algoritmo, Helgestad trabaja con la lógica contraria: esperar.

Esperar horas para que un oso levante la cabeza. Esperar días para un encuentro improbable. Esperar semanas para unos segundos de comportamiento que nadie había filmado antes.

Ese tiempo acumulado se percibe en cada imagen. No hay sensación de artificio, truco visual o naturaleza convertida en espectáculo digital. De hecho, uno de los pequeños milagros de la película es recordar algo obvio: ni siquiera la inteligencia artificial podría fabricar la belleza que aparece aquí.

Hay un momento especialmente revelador. Los osos polares caminan al amanecer y el aire helado se vuelve visible en su respiración. El vapor sale de sus bocas mientras el sol bajo del Ártico ilumina sus cuerpos blancos. La luz parece atravesarlos.

No es una imagen espectacular en el sentido grandilocuente; es algo más simple y, por eso mismo, más poderoso. Durante unos segundos el cine vuelve a ser lo que siempre fue: mirar.

El film también se permite momentos inesperados de intimidad. En un gesto que podría haber resultado cursi, Helgestad escribe una carta a Frost. En otro contexto sería un recurso demasiado sentimental, pero aquí funciona porque el propio director establece límites desde el principio.

Él sabe que está proyectando emociones humanas sobre un animal. Y lo reconoce.

Ese equilibrio entre cercanía y distancia es lo que mantiene la película lejos del “cheesy” que suele contaminar el cine ambiental. Helgestad ama a su protagonista, pero no intenta convertirla en símbolo perfecto ni metáfora universal. Frost sigue siendo una osa polar, un animal salvaje que vive en un entorno brutal.

La película tampoco evita mostrar el conflicto entre humanos y osos polares. Hay encuentros tensos, momentos en los que la presencia humana altera el comportamiento de los animales. El Ártico aparece así como un espacio donde dos mundos chocan constantemente: el de la vida salvaje y el de la expansión humana.

Ese choque está, inevitablemente, ligado al cambio climático. Pero el documental es inteligente al no convertir el mensaje en un discurso didáctico permanente. El calentamiento global no aparece como una lección de geografía, sino como una transformación visible en el paisaje: hielo que desaparece, rutas de caza que ya no funcionan, estaciones que cambian.

En lugar de subrayar cada dato, Helgestad deja que el espectador vea las consecuencias. El resultado es mucho más efectivo que cualquier gráfico o narración explicativa.

Si hay algo que distingue a Frost uten snø og is de muchos documentales contemporáneos es su confianza en la imagen. En los últimos años los festivales se han llenado de películas que dependen excesivamente de archivos personales, recuerdos familiares o material doméstico para sostener narrativas de noventa minutos.

A menudo son trabajos que funcionan mejor como ensayo íntimo que como experiencia cinematográfica. Aquí sucede lo contrario. Este es un documental que entiende que el cine de naturaleza puede —y debe— ser espectacular. No en el sentido superficial de lo espectacular, sino en el sentido literal: algo que merece ser visto.

Por eso mismo, ver esta película en una pantalla grande no es una opción secundaria. Es prácticamente obligatorio. La escala del paisaje, la textura del hielo, la luz ártica sobre los cuerpos de los osos… todo adquiere otra dimensión en una sala de cine.

El propio recorrido de Asgeir Helgestad ayuda a entender esta aproximación visual. Antes de dedicarse al largometraje documental, trabajó durante años como fotógrafo de naturaleza y realizador de series para televisión, incluyendo proyectos vinculados a la radiotelevisión noruega.

En trabajos anteriores ya exploraba la relación entre animales salvajes y cambios ambientales, pero nunca con la intimidad ni la duración temporal que alcanza aquí.

Su experiencia como fotógrafo se nota en la composición de cada plano. Hay una atención obsesiva a la luz, la textura de la nieve y la distancia entre cámara y animal. Pero lo realmente impresionante no es la estética, sino la perseverancia que la hace posible.

Diez años filmando a un mismo animal no es una decisión técnica; es casi una forma de vida.

Esa dedicación se siente en la película como una acumulación silenciosa de tiempo, frío y espera. Y quizá por eso el documental termina funcionando también como un retrato indirecto del propio director: alguien que decidió quedarse lo suficiente para mirar de verdad.

Al final, Frost uten snø og is no intenta ofrecer soluciones ni discursos tranquilizadores. Lo que propone es algo más simple y, en cierto modo, más incómodo: empatía.

Empatía con un animal que vive en un mundo que se derrite. Empatía con un ecosistema que cambia demasiado rápido. Y, sobre todo, empatía con la idea de que la naturaleza no es un decorado remoto, sino un sistema del que seguimos formando parte.

Entre la belleza de sus imágenes, la honestidad de su mirada y la paciencia que sostiene cada plano, la película consigue algo que muchos documentales olvidan: recordarnos que el cine de naturaleza puede ser, cuando se hace con verdadera dedicación, una experiencia casi física. Una de esas que justifican sentarse en una sala oscura y mirar.

* David Sánchez es un periodista franco español afincado en Toulouse, centrado especialmente en cine iberoamericano, miembro de la crítica internacional Fipresci. Sitio: https://www.tegustamuchoelcine.com.

“Paraguay superó todas nuestras expectativas: los miedos no se confirmaron y las esperanzas se cumplieron”, dice el artista Axander “Suricoma” Babich, mostrando la alegría de saber confirmada la intuición que tuvieron con su compañera, Anastasia Alforova, de que este rincón sudamericano al que arribaron en 2024, sería un sitio de bienestar. Sus dibujos y grabados sorprenden en redes sociales, muestras y galerías por la precisión de su técnica, por la aprehensión del espacio paraguayo con un afecto especial.

• Por Jorge Zárate
• jorge.zarate@nacionmedia.com
• Fotos: Gentileza

Hoy, todavía lidiando con las dificultades del español y aventu­rándose al guaraní, Alexan­der “Suricoma” Babich ya disfruta de “la tradición del tereré” y cuenta que antes de venir “leía que la mayo­ría de la gente siempre lleva un termo y guampa consigo, pero no lo creía hasta verlo”.

En sus redes sociales posteó su ranking de temas paragua­yos: “Sí, realmente me gusta la música y el gusto musi­cal de los paraguayos. Como complemento, por supuesto, está la cocina y la parrilla con la mejor carne del mundo y la tradición de que casi todas las casas están equipadas para el asado. Me encantan la chipa y el mbeyú”, reseña.

Con su esposa hacen un equipo artístico que va teniendo alta repercusión en medios digitales, mues­tras y galerías locales. “En esto me ayuda mi esposa Anastasia que es videógrafa y una verdadera estratega de marketing, porque este se ha convertido en una parte importante del trabajo del artista. Ella crea contenido para Instagram, promueve mi trabajo y ayuda a cons­truir un diálogo con el espec­tador. Trabajamos como un equipo: yo creo mundos y ella hace que se vuelvan visibles y comprensibles”, destaca.

Pero todo tuvo un proceso de gestación: “La noche antes de nuestra boda, mi futura esposa y yo nos despertamos por un ataque con lanzagra­nadas, uno de los primeros actos de sabotaje militar, en 2014. Hoy en Járkov eso ya es algo cotidiano: bombardeos de artillería, el zumbido de drones y la oscuridad total por la noche. Pero en ese momento, fue un verdadero shock”, cuenta de aquellos tiempos de los inicios de las hostilidades en su Ucrania natal.

“Nos dimos cuenta de que no somos árboles, porque la evo­lución nos dio la capacidad de movernos y decidimos cons­truir nuestra vida juntos lejos de la guerra”, explica.

“Después de nuestra pri­mera emigración espontá­nea a Polonia, nos tomamos muy en serio la elección del siguiente país: establecimos criterios, ‘señales de alerta’ y pusimos la libertad como lo más importante. Entendimos que solo la libertad da verda­dera seguridad a las personas y que solo un país libre puede ofrecer condiciones para ser feliz”, sigue narrando de ese momento tan especial.

Lo curioso del caso, la conclu­sión: “Según nuestro propio ranking, el país más libre del mundo resultó ser Paraguay y hacia aquí vinimos”.

También tuvo otras seña­les: “Incluso cuando vivía en Polonia, las estadísticas de Spotify mostraron que mi gusto musical coincidía más con la ciudad de Asunción. Ese fue también un aliciente para elegir el país. La gente mala no escucha buena música, y lo que más me gusta son las personas que escuchan y la interpretan”, destaca.

Pero la historia no termina ahí, “por aquel entonces, tenía sueños todas las noches sobre un país fantástico y caluroso. Parte del paisaje inusual eran unos majestuosos tótems que al despertarme dibujé. Incluso diseñé un juego de ajedrez inspirado en ellos. Hoy me parece que esos sue­ños eran sobre Paraguay. Y esos tótems los representé en mi obra ASU-2316”, cuenta.

Apasionado del dibujo, lo coti­diano y lo fantástico conviven en su obra. “Me gusta crear mundos, en cualquier forma: diseño industrial, escultura, cómics y ahora gráfica. Para mí lo más importante es el mundo en sí, no la forma en que se presenta”, define.

“Actualmente trabajo simul­táneamente en tres series: ‘Vedutas del Paraguay’, ‘Rohayhu Paraguay’ y ‘Para­guay Futurista’. En esencia, es un solo mundo, solo que varían el tiempo y el enfoque: lo cotidiano y lo futurista”, agrega.

“De niño me inspiraba Julio Verne: al estudiarlo, entendí que las ideas de las obras artísticas tarde o temprano se hacen realidad, de una forma u otra. Cuanto más popular es una obra, más gente sueña con ella y empieza a pensar en cómo llevarla a la realidad”, apunta.

En “Vedutas…” registra haciendo gala de ductilidad en el “vedutismo”, género pic­tórico italiano del Settecento (siglo XVIII) donde el artista representa al detalle un pai­saje urbano, edificios, etc.

Suricoma comenta sobre su versión de la Iglesia de la Can­delaria de Areguá: “A veces, como autor, me gusta experi­mentar e introducir un poco más de estilización, como en esta obra. Los árboles aquí son más arquitectónicos lo que los hace lucir un poco más mágicos, algo que, en mi opinión, encaja muy bien con este paisaje… Estoy muy agra­decido con mis amigos para­guayos que me llevaron y me mostraron este lugar: nos sen­tamos allí, tomamos tereré y observamos cómo los últi­mos rayos del sol caían sobre el lago Ypacaraí. Por cierto, mis amigos se esconden en la gráfica detrás de los árboles”, concluye bromeando.

En la serie “Rohayhu…” hay pequeños grabados numera­dos que comercializa a 100 mil guaraníes. “Cada ilustra­ción está hecha con cuidado, numerada, firmada y lista para encontrar su lugar en tu hogar. Se puede pagar por transferencia, y coordinamos entrega o retiro en Asunción”, dice recordando su número telefónico (0987) 202-065. La misma tiene homenajes a las chiperas, al verano, los cope­tines, la danza de la botella, el campo y la guarania, aun­que promete abordar nuevas temáticas.

En la mirada “Futurista…” se pueden apreciar “algunos elementos que me aparecie­ron en sueños hace mucho tiempo, cuando ni siquiera pensaba en mudarme a Para­guay. Otros se me ocurrieron después de emigrar. Creo que los trenes volverán a circu­lar en Asunción muy pronto, mucho antes del año 2316. Y creo que en Paraguay siempre habrá lugar para los pastiza­les del ganado, incluso si toda la tierra estuviera completa­mente urbanizada”, comenta.

Suricoma desarrolló un con­cepto particular: la Anarkio­grafía. Así la define: “es más una filosofía que una técnica. Se suele creer que cuanto más compleja es la técnica, más valor tiene la obra. Pero yo pienso que si la idea es mala, es mala, y las decenas de horas dedicadas a preparar una plancha para un grabado a media tinta (mezzotinta) no mejorarán la obra”.

Explica entonces que “la idea principal es la libertad frente a la autoridad de la técnica. Puedes hacer lo que quieras, como quieras y con lo que quieras. Es arte porque tú lo consideras así, y eso es sufi­ciente. Anarkiografía: tu arte, tus reglas, tu libertad con uso libre para todos. Para expre­sar mi posición, inventé el tér­mino. La palabra es hermosa por sí misma, y proviene de Anarkio (anarquía en espe­ranto) y de grafia (del griego graphía “escritura”, “dibujo”, “modo de representación”).

Alexander, de 41 años, estu­dió y fue profesor en Acade­mia Estatal de Diseño y Artes de Járkov. Fundada en 1921, es una de las más destacadas de su región en diseño gráfico; diseño industrial y ambien­tal; multimedia; diseño de ropa y calzado, bellas artes, escultura, pintura, arquitec­tura, restauración y peritaje artístico, animación, foto­grafía, comunicación visual y estudios culturales.

Desde esa formación nos cuenta que a los artistas digitales “les resulta más difícil entrar en un museo, mientras que al mencio­nar la técnica de grabado de “punta seca” muchos entran en éxtasis. Pero la verdad es que todas estas técnicas fueron original­mente formas de simplifi­car y abaratar la produc­ción, hasta que artistas concretos las elevaron a arte, como Andy Warhol con la serigrafía”, historia.

Insiste entonces en que “en el mundo contemporáneo, el arte no es solo creación, sino también la capacidad de ser visto. El marketing”.

Desarrolla la idea comen­tando que “antes a un artista le bastaba con tener un solo mecenas, por ejem­plo Leonardo da Vinci tra­bajó en la corte de Ludo­vico Sforza y de Francisco I; Velázquez fue pintor de corte de Felipe IV, y Jan Vermeer pintaba para su coleccionista Pieter van Ruijven”, recuerda.

“Más tarde ese papel lo asumieron los museos, las galerías y los galeristas. Así, Picasso trabajó con el mar­chante Kahnweiler; Jackson Pollock con Peggy Guggen­heim, y las obras de Mar­cel Duchamp son práctica­mente impensables fuera del contexto galerístico. Sin embargo, hoy estamos viviendo una nueva etapa: el artista puede comunicarse directamente con el mundo a través de las redes sociales. Y poco a poco esto deja de ser solo una posibilidad para convertirse en una necesi­dad, incluso en una obliga­ción”, concluye.

Cuenta Alexander que su primera experiencia en el internet fue en un sitio de citas: “Fue allí donde por primera vez conocí el con­cepto de los apodos (nic­knames). ¿Cómo inventar algo único? Mi apellido, Babich, es muy común en Ucrania, y hay muchísi­mos, miles, con mi mismo nombre y apellido, enton­ces simplemente cerré los ojos y golpeé el teclado. El resultado me sorprendió: Suricoma”, cuenta.

“¿Qué probabilidad había de que, usando ese método de tecleo, cada vocal estu­viera seguida de una con­sonante? En fin, muchos no me creen, pero fue así que salió y desde entonces he usado este nick en otros sitios, y más tarde se con­virtió en mi pseudónimo artístico”, relata.

Ya con el aprendizaje del español, “mi seudónimo cobró nuevos colores. Aso­ciativamente, para mí Suri­coma ahora es un sueño de un país del sur, una fan­tasía, una ensoñación con un país fantástico del sur a través de su creatividad”, arriesga.

“Lo que más extraño es mi trabajo como pro­fesor en la Academia en Járkov, para mí era valioso e importante”, cuenta Alexander Suri­coma Babich con nostalgia y algún dolor.

Resulta que “muchos de mis profesores, que luego se convirtieron en colegas, fallecie­ron durante los 12 años de guerra. Doce años es mucho tiempo. Se trata principalmente de consecuencias indirectas de la guerra: no murieron por disparos ni explosiones, sino, por ejemplo, por un infarto mientras corrían a un refugio antiaéreo. La mayoría no eran jóvenes, aunque entre ellos había también algunos de mi edad (41 años). Más de la mitad de mis docentes falleció en ese período. Extraño la comunicación con ellos. Podríamos haber seguido en contacto al menos otros veinte años…”, lamenta.

A la hora de analizar cómo llegar a la paz reflexiona: “Hay un viejo anime ‘Un viento llamado amnesia’ (A Wind Named Amne­sia/1990). En él, el viento borra toda la memoria de la humanidad, y la trama gira en torno a una pregunta filosófica: ¿merece la humanidad sus recuerdos perdi­dos o debería desaparecer para siempre?”. Entiende que “la mayoría de los políticos europeos no quieren la paz, y mucho menos el líder del país agresor (Vladimir Putin). Quieren un 1984 al estilo Orwell. Y, lamenta­blemente, se están acercando a su objetivo con gran éxito. No creo en la estupidez de los políticos ni en la debilidad de los países aliados. Los aliados tienen todos los medios para detener la guerra. Lo más fácil hubiera sido hacerlo en 2014, más difícil en 2022, y ahora aún es más difícil, pero todavía posible. Así que a los políticos simplemente les falta fuerza de voluntad y deseo”, desarrolla.

“Por eso solo nos queda soñar con que un viento de amnesia se lleve la memoria de todos los líderes y altos funcionarios. Que por un instante olviden ambiciones, lemas y juegos de poder, los pseudointereses nacio­nales, y finalmente vean cómo es el mundo real, sin sus máscaras habituales y sin reglas ilusorias. Entonces, quizá quede claro qué es lo que la humanidad realmente merece o no”, imagina.