El éxito de la serie televisiva “Shogun” contribuyó a despertar el apetito de los estudios internacionales por el contenido japonés de calidad, y los creadores nipones se preparan para responder a esa demanda. Los aficionados a los manga y anime japoneses suelen criticar las adaptaciones foráneas por su falta de fidelidad con el material original.

Pero “Shogun”, basada en la novela de 1975 del escritor australiano-británico James Clavell, rompió el molde con una producción hablada principalmente en japonés y elogiada por su autenticidad. En septiembre se alzó con 18 premios Emmy, los galardones estadounidenses para la televisión.

Otras producciones japonesas recientes también se han convertido en éxitos mundiales. El programa franco-estadounidense-japonés “Las gotas de Dios”, basado en el manga homónimo, ganó el premio a la mejor serie dramática en los Emmy Internacionales de noviembre. La serie de Netflix “One Piece”, de 2023, una adaptación de un manga con el actor mexicano Iñaki Godoy, fue aplaudida por el público y la crítica y ya se prepara una segunda temporada.

Hay otras adaptaciones de reconocidos manga y anime en marcha, incluyendo “My Hero Academia” y las aventuras ninja de “Naruto”. “La demanda de los mercados occidentales está claramente creciendo”, comenta a AFP Kaori Ikeda, directora gerente de TIFFCOM, la feria comercial de contenido afiliada con el Festival Internacional de Cine de Tokio.

Esta responsable advierte, sin embargo, que a las empresas japonesas les falta experiencia en temas como la negociación de derechos. Por ello, TIFFCOM organizó el Tokyo Story Market, un espacio para facilitar los contactos entre productores internacionales y editores japoneses.

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Los estudios extranjeros también han mejorado sus adaptaciones, y evitan algunos errores que cometieron en el pasado, como la versión cinematográfica de 2017 del manga “Ghost in the Shell: La vigilante del futuro” con Scarlett Johansson. Los críticos acusaron a la película de “blanqueamiento” porque sus personajes principales fueron actores no japoneses, con excepción de Takeshi Kitano.

Igualmente, el thriller sobrenatural de 2017 “Death Note” fue criticado por su falta de apego al manga original. “Los autores de manga son muy respetados y sus fans están muy atentos”, señala Klaus Zimmermann, productor de “Las gotas de Dios”. Su adaptación se toma algunas libertades, como incluir un actor francés para un personaje principal, pero Zimmermann insiste en que fue desarrollada junto a los autores del manga original.

“Se trató de encontrar el espíritu del manga para no distorsionarlo”, comenta. Yuki Takamatsu, negociador de derechos de la editora de mangas Kodansha, cuenta que el proceso de adaptar “Las gotas de Dios” fue “increíble”. “Todos estaban abiertos a enfrentar juntos los retos (...) Todos entendían en cada paso cómo había que hacerlo”, asegura.

Los fracasos del pasado se deben en parte a las dificultades de los editores de comunicar sus deseos a los productores extranjeros, quienes carecen de un entendimiento adecuado del manga y el anime, según Takamatsu. “Pero hoy día, especialmente después del covid, los productores de 30 o 40 años ven anime junto a sus hijos en Netflix o Amazon” y nos contactan, dice.

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La televisión japonesa también ha mejorado en “presentar y comercializar su contenido” en el exterior, afirma Makito Sugiyama, director ejecutivo del Asociación de Exportación de Programas de Televisión de Japón (BEAJ). Esto incluye su participación en eventos mundiales como el MIPCOM, en Cannes, una feria anual de la industria televisiva, dice Sugiyama.

Las televisiones japonesas han conseguido vender con éxito conceptos de programas en el exterior, como que el que originó “America’s Funniest Home Videos”. Ahora algunos dramas japoneses también encuentran mayor resonancia internacional. El drama “Mother” de Nippon TV triunfó en gran parte debido a su versión turca, y ha sido transmitida en unos 50 países.

El público occidental ha superado su reticencia inicial hacia las series con actores asiáticos, opina Masaru Akiyama, un ejecutivo de BEAJ. “Se han acostumbrado, ya no les importa. Quieren ver, quieren sentir las historias”, agrega. La serie “Shogun” “cambió las cosas para Japón”, asevera.

La directora de la feria TIFFCOM, Kaori Ikeda, coincide en la importancia de esta serie. “Que una historia de samuráis con tanta atención a los detalles históricos pueda convertirse en un entretenimiento de masas prueba el potencial” de los contenidos japoneses, afirma.

Fuente: AFP.

Una batalla campal en una fábrica, la policía sometiendo con pistolas de electrochoques a huelguistas, un activista que pasa 100 días encaramado en una chimenea son ejemplos de la brutalidad de las relaciones sociales en Corea del Sur que inspiraron la serie “El juego del calamar”.

La esperada segunda entrega de “El juego del calamar” se estrena el jueves, después de que la serie lograra ser la más vista en la historia de Netflix con su primera temporada. La producción muestra a personajes desesperados compitiendo en una versión mortal de un juego tradicional para niños, en busca de una recompensa.

Su director y guionista, Hwang Dong-hyuk, afirma que las experiencias del protagonista Gi-hun, se inspiraron en una violenta huelga en la planta de Ssangyong en 2009, cuando un grupo de trabajadores tomaron una industria para protestar por un plan de despidos.

“Quería mostrar que en el mundo en que vivimos, cualquier persona de clase media puede derrumbarse y caer al fondo de la escala social de la noche a la mañana”, explica. En mayo de 2009, el gigante automotor Ssangyong anunció un plan de despidos que afectaría a más de 2.600 personas, un 40 % de su personal, para hacer frente a sus dificultades.

Los trabajadores se movilizaron y ocuparon la planta durante una huelga de 77 días que terminó con enfrentamientos entre los huelguistas y policías antidisturbios armados con pistolas eléctricas y helicópteros que lanzaron gases lacrimógenos. Muchos sindicalistas fueron reprimidos con violencia y algunos fueron encarcelados.

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Pero el conflicto no terminó ahí. Cinco años después, el dirigente sindical Lee Chang-kun inició una protesta de 100 días encaramándose en una chimenea de la fábrica para denunciar el pronunciamiento de la justicia a favor de la empresa y en contra de los huelguistas. El sindicalista fue alimentado gracias a un canasto con una cuerda y, según él, sufrió alucinaciones.

Para algunos trabajadores que participaron en la protesta en 2009, es duro hablar de “El juego del calamar”, debido al persistente trauma. Tras la toma, los trabajadores enfrentaron un tormento judicial. Más de 200 fueron procesados y cerca de 100, incluyendo a Lee, fueron condenados a penas de cárcel.

Cerca de 30 obreros se suicidaron por problemas de estrés, recuerda Lee. “Muchos perdieron sus vidas”, afirma. Para Lee, los trabajadores fueron percibidos como “activistas obsoletos que habían perdido el juicio”. “La policía siguió golpeándonos incluso después de caer inconscientes y esto sucedió en nuestro lugar de trabajo y fue retransmitido para que muchos lo vieran”, relata.

Para Lee muchas escenas de la primera temporada de “El juego del calamar”, en las que el protagonista se bate para no traicionar a sus competidores, fueron conmovedoras. Pero el activista lamenta que no llevara a un cambio real para los trabajadores en un país con grandes desigualdades, relaciones tensas entre empleados y empresas y una política marcada por la crispación. “Parece que la desigualdad está tan arraigada que no hay vuelta atrás”, dijo.

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El éxito la serie en 2021 lo hizo sentir “vacío y frustrado”. “Sentí que la historia de los trabajadores de Ssangyong fue reducida a un producto desechable”, asegura Lee a AFP. “El juego del calamar” pasó a formar parte de la “ola coreana” encarnada por el éxito internacional de películas como “Parásitos” y bandas de K-pop como BTS.

Pero la segunda temporada se estrena en un momento de crisis política en Corea del Sur, después de que el presidente Yoon Suk Yeol fuera destituido por el Parlamento por su fallido intento de decretar la ley marcial. Yoon fue suspendido de sus funciones hasta que la Corte Constitucional se pronuncie sobre su futuro.

Vladimir Tikhonov, experto en estudios coreanos en la Universidad de Oslo, considera que algunas de las producciones culturales más exitosas del país relatan la violencia estatal y la crueldad de la sociedad capitalista. “Seguimos viviendo a la sombra de la violencia de Estado, y esta violencia de Estado es un tema recurrente en productos culturales de gran éxito”, destaca.

Fuente: AFP.

Star Latinoamérica estrenó “Chacal (The Day of the Jackal)”, nueva adaptación del clásico literario del novelista británico Frederick Forsyth, publicado en 1971 y que tuvo dos conocidas adaptaciones en el cine. Eddie Redmayne protagoniza esta serie, que actualiza la historia del mítico asesino a sueldo y tiene dos nominaciones en los Globos de Oro, así como en los Critics Choice Awards, como mejor drama y por su actor protagónico.

Lo hace introduciendo elementos novedosos respecto al material original como cierta ambigüedad moral en sus personajes y algunas reflexiones y pinceladas interesantes sobre el actual panorama geopolítico, pero, asegura su protagonista, conservando toda la esencia del clásico y ese “ADN de thriller de la vieja escuela”.

“Para mí es prácticamente como si hubiera crecido viendo el original, que era una de las películas favoritas de mi padre”, explica el actor en una entrevista concedida a Europa Press en la que evidencia su veneración por la primera adaptación de la novela original, la cinta dirigida en 1973 por Fred Zinnemann y protagonizada por Edward Fox. Tal es así, reconoce, que cuando le llegó la propuesta con los guiones a su correo electrónico instintivamente se autoprotegió y se resistió a leer el mensaje porque no se veía preparado para “tocar un clásico”.

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“Pero soy muy curioso, así que los abrí y me pareció tan adictivo que quería seguir leyendo una página tras otra”, recuerda el ganador del Oscar por “La teoría del todo”, que asegura que, como “gran fan del original”, el punto fuerte de esta nueva adaptación de “Chacal” es que establece vínculos con el clásico, pero actualizando su historia hasta punto de parecer “completamente nuevo” pero siempre respetando esa atmósfera tan singular y legendaria del original. “Tiene el ADN de ese tipo de thriller de la vieja escuela, analógico, de los 70, pero a la vez se percibe completamente moderno”, subraya.

“Creo que hay un equilibrio muy interesante”, explica Corberó que destaca el aspecto visual de la serie con “una estética en la que han encontrado el punto justo entre la autenticidad del Chacal de antes con lo moderno”. “También hay muchísimo contraste entre las diferentes ciudades y los diferentes personajes con diferentes culturas. Y otra cosa que me encanta es la música. La música me parece que le da un rollo increíble y que está muy bien escogida”, dice la actriz española.

En la serie de SkyShowtime la estrella de “La casa de papel” o “El cuerpo en llamas” interpreta a Nuria un personaje estrechamente vinculado al protagonista que, recuerda, “ni siquiera existía en las versiones anteriores”. “Es un nuevo giro que se le da a este nuevo ‘Chacal’, que creo que es como más moderno. Lo humaniza mucho también el hecho de tener una vida personal paralela a lo que hace”, explica la actriz que asegura no sintió ningún tipo de vértigo a abordar la adaptación de un clásico ya que hay “mucha más presión” cuando tiene que interpretar personajes que existen en la vida real. “Eso sí que me parece un marrón”, sentencia.

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El gran “marrón” para Redmayne como protagonista fueron los diferentes idiomas y acentos que adopta el asesino, un auténtico maestro del disfraz, durante la ejecución de sus letales encargos. “Los idiomas son muy importantes para crear este personaje y eso fue lo más difícil. No hablo una palabra de alemán, y muchas de las escenas son en alemán. Úrsula ya me comentó que cuando empezó a hacer películas en inglés tenía que aprender el guion fonéticamente, y eso me parece una locura, pero eso es lo que tuve que hacer con algunas de las lenguas”, recuerda el británico.

Además del material original, para armar su complejo personaje, en el que conviven un hombre con una doble vida y también un frío y metódico asesino a sueldo, el protagonista de “La chica danesa” o “Animales fantásticos y dónde encontrarlos” revela que encontró una inesperada inspiración en otra personalidad misteriosa y camaleónica, la de David Bowie.

“Algo que me inspiró mucho fue una entrevista con David Bowie en los 70, cuando estaba ataviado con un curioso vestido y fue una de las primeras veces en la que él se presentó como un personaje en una película. La actitud que tiene en esa entrevista, su estilismo e incluso la forma en la que escucha fue muy inspiradora, y también la forma en la que ha hablado de usar diferentes trajes o vestimentas para esconder partes de él mismo”, explica.

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La serie de diez episodios, que tras el estreno de los tres primeros este viernes 6 de noviembre irán llegando semanalmente a SkyShowtime, está escrita por Ronan Bennett (creador de “Top Boy”) y dirigida por Brian Kirk (“Juego de tronos”) y ya ha sido renovada para una segunda temporada.

Junto a Redmayne, Coberó y Lashana Lynch, que da vida a la agente del MI6 que intenta cazar al asesino, completan el reparto de “Chacal” nombres como Charles Dance (“Juego de Tronos”) en el papel de Timothy Winthrop, Richard Dormer (“Blue Lights”) como Norman, Chukwudi Iwuji (“Guardianes de la Galaxia Vol. 3″) como Osita Halcrow, Lia Williams (”The Crown”) como Isabel Kirby, Khalid Abdalla (“Cometas en el cielo”) como Ulle Dag Charles, Eleanor Matsuura (“The Walking Dead”) como Zina Jansone, Jonjo O’Neill (“Andor”) como Edward Carver, Nick Blood (“Slow Horses”) como Vince, Sule Rimi (“Classified”) como Paul Pullman y Florisa Kamara (“Eastenders”) como Jasmin Pullman.

Fuente: Europa Press.

El viernes 13 de diciembre Netflix estrena ‘1992′, la nueva serie de Álex de la Iglesia. Con un guion que firma junto a Jorge Guerricaechevarría, su colaborador habitual, y Pablo Tebar (’Pollos sin cabeza’) el cineasta recupera un momento icónico de la historia reciente de España, la Expo de Sevilla, como telón de fondo de un incendiario thriller “muy de género” con ritmo endiablado protagonizado por Marián Álvarez y Fernando Valdivieso en el que crimen, venganza y la incipiente “cultura del pelotazo” y corrupción política se dan la mano. “Allí empezó todo y ahora, desgraciadamente, no seguimos muy distintos”, apunta el cineasta que dide tener en mente una secuela ambientada en los Juegos Olímpicos de Barcelona.

En sus seis capítulos ‘1992′ sigue los pasos de Amparo (Álvarez), una mujer decida a descubrir toda la verdad después de que su marido muera en una misteriosa explosión y junto a su cadáver calcinado aparece un muñeco de Curro, la mascota de la Expo 92. Con la única ayuda de Richi (Valdivielso), un expolicía alcohólico amigo del fallecido, se adentrará en una intrincada trama de corrupción mientras siguen sacudiéndose asesinatos con el mismo macabro patrón.

Y es que, además de la Expo, de las Olimpiadas de Barcelona y de esa imagen de entusiasmo colectivo y afán de modernidad que se trasladaba al exterior, la España de principios de los 90 era también la España del pelotazo, de los primeros grandes casos de corrupción política. “Allí empezó todo y ahora, desgraciadamente, nos seguimos muy distintos”, reflexiona el director en una entrevista concedida a Europa Press. “La serie entronca con eso, realmente, ¿no? Esos flashbacks nos llevan a toda esa cultura del pelotazo”, apostilla Álvarez que incide en que, en cuestiones como la corrupción, el país no ha cambiado mucho.

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“Y cómo se aprovechan de cualquier evento que surge en el país, unas Olimpiadas, una Expo... lo que sea. Bueno, se aprovechan hasta de la pandemia, así que cómo no se van a aprovechar de algo lúdico y festivo en el que se mueve tanto dinero”, dice la ganadora del Goya a mejor actriz por ‘La herida’. “Yo creo que es una cosa cultural que llevamos en la sangre, esta cosa del caciquismo, de favorecer a alguien. Es una cosa lamentable, pero sigue existiendo”, destaca Valdivieso. En este sentido De la Iglesia destaca que para él era muy importante reflejar todo eso en la trama de ‘1992′.

“Cuando estás viendo una serie, lo que quieres es que te ayude a entender el presente, no el pasado. Y aquí lo que buscaba es que cuando estás viendo eso, de pronto digas: ‘Dios mío, está hablando del lugar en donde vivo, de personas que conozco o de las que me representan’”, apunta el cineasta que cree que estas reflexiones “funcionan mucho mejor” presentadas través de la ficción y reposadas con el paso de los años.

“Es que con el tiempo te distancias, ves las cosas desde fuera y entonces pueden parecer más o menos terribles, las puedes cosificar. Pero ahora, en este momento, estamos viviendo un poco lo mismo. Cuando veamos con distancia estos años, también descubriremos cosas que antes no sabíamos”, dice el director de ‘El Día de la Bestia’, ‘El Bar’ o ‘Las brujas de Zugarramurdi’.

Los que también, tal y como muestra la serie en las dos líneas temporales en las que se desarrolla ‘1992′, siguen perviviendo inamovibles y ajenos a la evolución de los tiempos, son “ese grupo de hombres de copa y puro” y su machismo rancio. “Sí, están aquí y quería mostrarlo porque es verdad que continúan”, sentencia De la Iglesia. “Yo creo que son generaciones que se tienen que terminar y con las nuevas generaciones habrá un relevo también de pensamiento y una evolución, ¿no?”, apunta Valdivieso.

“Sigue habiendo machirulos de copa y puro, por desgracia”, lamenta Álvarez que señala que sí hay cosas en las que “hemos evolucionado” en ese sentido. “Mira, simplemente que en una serie la protagonista sea una mujer de más de 40, en aquellos años era impensable. Por ese lado igual hemos avanzado, pero poco a poco, gracias al feminismo y todo lo que estamos consiguiendo, hay un largo camino por recorrer”, reflexiona.

“A ver, vivimos en el mejor de los presentes, en el mejor de los mundos posibles, como decía Leibniz”, apunta De la Iglesia citando al filósofo alemán para apuntar su alegato en contra de la nostalgia a la que se refiere como “un error o una enfermedad”. “Estar pensando en el pasado como un mundo mejor no funciona. Si no sabes vivir tu presente, no sabes vivir ningún momento, en ninguna época... en ningún lugar estarías bien”, explica el director ganador del Goya por ‘El día de la bestia’ que cree que, lejos de restar, los avances tecnológicos aportan “más oportunidades de controlar lo que nos ocurre o lo que ocurra a nuestro alrededor”.

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“Y desde luego tenemos Internet que de lejos de ser un problema, como lo quieren ver algunos, es el mayor descubrimiento de la historia, la mayor herramienta de comunicación que jamás hubiéramos soñado. Ahora todo el mundo tiene una voz y podemos poner en contacto con cualquier persona en un segundo. Es flipante. Desde ese punto de vista, creo que vivimos un momento privilegiado”, sentencia el cineasta que abre la puerta al regreso de Amparo y Richi.

“Tengo un plan. Me encantaría que se hiciera ‘1992: Barcelona’”, revela De la Iglesia que destaca que en aquella época la Ciudad Condal era “la representante de la modernidad, de lo moderno y de lo nuevo”. “También tiene su historia. Hay cosas muy divertidas que contar y muy terribles. Tengo a Cobi y tengo unas Olimpiadas en las que estaba Freddie Mercury, que murió poco después... Había ambientazo”, se limita a adelantar.

Fuente: Europa Press.