Dos estrenos destacan en la cartelera nacional, que son secuelas: la película de acción “El robo perfecto: Pantera”, que debutó al frente de la taquilla en Estados Unidos; y “Paddington en Perú”. También podrá verse como contenido alternativo la producción española “El silencio de Marcos Tremmer” y la animación japonesa “Dragon Ball Daima”.

La secuela de “El robo perfecto” (2018) vuelve a contar con el director Christian Gudegast y su protagonista, Gerard Butler. La película de acción sorprendió el último fin de semana en Norteamérica al quedarse con el primer lugar de las boleterías con 17 millones de dólares, superando a “Mufasa” y “Sonic 3″, que venían pulseándose por el primer lugar de las ventas.

Esta vez, Donnie (Butler) se alía con la mafia Pantera para cometer el mayor robo de diamantes jamás visto. Mientras, Nick, el policía que ya le persiguió en el pasado, se ve arruinado y cansado de ser el cazador, así que le propone unirse a su banda y dar juntos este golpe. Si este desafío tiene éxito, habrán conseguido ejecutar el atraco más importante de la historia.

“Paddington en Perú”, dirigida por Dougal Wilson, es la tercera película sobre el amado oso amante de la mermelada, tras “Paddington” (2014) y “Paddington 2″ (2017). Cuando Paddington descubre que su amada Tía Lucy desapareció de la Casa para Osos Retirados, la familia Brown y él se dirigen a la selva de Perú a buscarla; la única pista de su ubicación es un lugar marcado en un enigmático mapa.

Benjamín Vicuña y Adriana Ugarte protagonizan “El silencio de Marcos Tremmer”, de Miguel García de la Calera. La película española presenta a Marcos Tremmer, un exitoso publicista uruguayo que vive en Madrid, locamente enamorado de su mujer, Lucía. Un día, Marcos descubre que una enfermedad letal acabará con su vida en pocos meses. Para proteger a Lucía del que, por seguro, será un inmenso sufrimiento, toma una decisión arriesgada: ocultar la situación y alejarla.

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Finalmente, las generaciones de seguidores de la eterna saga japonesa de “Dragon Ball”, creada por Akira Toriyama (1955-2024), podrán disfrutar de “Dragon Ball Daima”, una película de 75 minutos que toma los tres primeros episodios de la serie del mismo nombre, que empezó a emitirse el 11 de octubre de 2024 y que este viernes 17 de enero estrena su episodio 14.

En esta aventura, Goku y compañía vivían una vida tranquila cuando de repente se hicieron pequeños debido a una conspiración. Cuando descubren que la razón de esto puede estar en un mundo conocido como el “Reino Demoníaco”, un misterioso joven Majin llamado Glorio aparece ante ellos.

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El cineasta argentino Ezio Massa vendrá a Asunción para presentar el thriller psicológico “Alter Ego”, su primera película producida en Estados Unidos, con Dylan Wash y Eric Roberts, que llegará a los cines el 23 de enero. El director, cuya madre es paraguaya, está previsto que participe en la función especial del martes 21 de enero, en Cinemark.

“Es la primera película en inglés de tres que yo tengo hechas y estrenar en Paraguay es para mí es muy importante porque yo decidí instalarme en Paraguay y quiero que mis padres vengan a vivir acá, yo tengo familia en Paraguay, Soy hijo de paraguayos, de madre paraguaya, mi abuela paterna es paraguaya y la idea es ahora empezar a producir en Paraguay y exportar un poquito la marca Paraguay a Los Ángeles”, dijo Massa en una nota de prensa.

“Alter Ego” es un thriller estadounidense de crimen y suspenso que lleva la firma del cineasta argentino Ezio Massa, radicado en Estados Unidos. El guion, escrito a cuatro manos por el propio Massa y Marcelo Páez Cubells, se envuelve en la atmósfera inquietante creada por la música de Luciano Onetti.

La trama se adentra en la mente atormentada de un escritor solitario que, tras concluir su última novela, se convence de que alguien acecha entre las sombras para matarlo. Replegado en la soledad de su mansión, la noche se convierte en un juego de espejos donde la paranoia lo consume y la línea entre realidad y ficción comienza a desdibujarse. La tensión alcanza su punto álgido con la llegada de un policía y un veterano investigador, decididos a ayudarlo mientras el peligro parece multiplicarse en cada rincón.

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“‘Alter Ego’ era una idea que teníamos guardada así a tiempo con Daniel de La Vega (director argentino). Punto Muerto fue una película que yo terminé produciéndole a Daniel, en blanco y negro, ambientada en los 50, y Alter Ego me había quedado de alguna manera ahí en el casillero”, explicó el director. El elenco, encabezado por Dylan Walsh, Steve Stanulis y Eric Roberts, refuerza la carga dramática de este relato donde el miedo y la obsesión se entrelazan.

“Se da la posibilidad de irme a Estados Unidos a hacer una película allá. Más que por ningún motivo cinematográfico, fue por una cuestión personal. Yo había autorizado a la madre de mi hijo, a mi ex mujer, que vaya con Elías y que elías empiece la primaria en Estados. Ella tenía una posibilidad de trabajo allá y yo los iba a ir a visitar frecuentemente. Esa era la idea original”, explicó.

“A la tercera semana de no ver a mi hijo me di cuenta que tenía que insertarme de alguna manera en ese cuadro y planifiqué esta película como mi primera película norteamericana estando en Buenos Aires en aquel momento y fue planificada para ser filmada muy rápido y para que entre de alguna manera dentro del presupuesto que teníamos acotado para la película”, alegó.

“Se pensó en función de que sea viable de producir. Y a partir de ahí, bueno, una locura absoluta que fue vender todo lo que tenía desde equipos de la productora, cerrar la productora, vender un departamento y con eso, y el guión bajo el brazo, llegar a Nueva York. Básicamente fueron tres personas las que me ayudaron a dar el puntapié inicial”, comentó el cineasta.

“En primer lugar, James Merendino, un director norteamericano de culto de cine independiente, el director de SLC Punk, entre otras películas, SLC Punk, una peli que fue fundacional independiente en Hollywood en su momento y que era un amigo que conocía de Buenos Aires. Él siempre me había dicho que bueno, que tanto Daniel de la Vega como yo y algunos que él había conocido deberíamos haber estado filmando en Estados Unidos”, agrego.

“El esquema americano de trabajo ya lo conocía. Después de haber hecho primer largometraje cuando tenía 21 años que se llamó Más allá del límite un policial que tenía temas de Gustavo Cerati y un elenco importante para aquel momento Y de alguna manera sentía que necesitaba más formación, si bien la película se estrenó recuperó su inversión fue elegida mejor ópera prima en la Argentina que eran los premios Cóndor de esa época, pero a mí me faltaba algo, fui a Estados Unidos en 1997 y 1996 a estudiar entonces hice un mediometraje. Entonces ya tenía una idea del esquema americano de trabajo”.

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El cineasta explicó que un inicio el actor que iba a encarnar al escritor era Christian Slater que tenía el guion en sus manos, pero luego, debido a la serie que estaba rodando, “Mr. Robot” no pudo sumarse a la cinta, es entonces, donde el personaje cayó en manos de Dylan Wash, recordado por películas como “Congo” o la serie “Nip/Tuck”.

Tanto la inclusión de Wash y Eric Roberts, se debidó al trabajo de la directora de casting, Donna Mackenna. “Hubo un momento es que teníamos todo el elenco, Eric Roberts ya había aceptado, pero no teníamos protagonistas. Hasta que bueno, Dylan se pudo sumar”, relató. “La película fue filmada en diez días”.

En este diálogo con La Nación/Nación Media, el cineasta paraguayo Juanjo Pereira brinda detalles sobre el próximo estreno de su filme documental “Bajo las banderas, el sol”, que competirá en la 75.ª edición del Festival Internacional de Cine de Berlín. Una apuesta a la memoria sobre nuestro pasado reciente en el contexto de las omisiones de la historia oficial.

• Por Jimmi Peralta
• Fotos: Gentileza

Si la identidad es una construcción de sen­tido a partir de rela­tos, lo que nombramos como realidad siempre está lejos de ser el insumo primario para entender el “uno mismo”. La identidad, si la hubiere, está sujeta al sentido ya cultivado en uno y en todos.

Los más de dos siglos de his­toria oficial de la era indepen­diente transcurrieron en su mayor parte sin una real liber­tad de expresión, por lo que el sentido de la identidad y de lo nacional fue configurado desde el centro del poder.

Las relecturas de la historia lejana y reciente deambulan por callejones subterráneos que solo por instantes lle­gan a la superficie del debate y muchas veces están centra­das en la discusión de detalles biográficos de los personajes.

En este contexto historiográ­fico, el cineasta paraguayo Juanjo Pereira se apresta a realizar el estreno mun­dial de su filme documental “Bajo las banderas, el sol” en la categoría de competencia en la sección Panorama de la Berlinale, que se realizará del 13 al 23 de febrero próximo.

La ópera prima de Pereira se enfoca en la dictadura de Alfredo Stroessner (1954-1989) y utiliza como insumos materiales audiovisuales de archivo provenientes de Para­guay, Argentina, Brasil, Fran­cia, Alemania, Japón, Taiwán, España, Reino Unido, Estados Unidos y Bélgica.

Se trata de un trabajo de investigación que rescata relatos con la particulari­dad de que la mayoría de estos materiales no están sesgados por la mirada del poder reinante en ese tiempo.

Con años de investigación, esta coproducción de Para­guay, Argentina, Estados Unidos, Francia y Alemania pretende realizar un aporte a la memoria en un tiempo en el que las nuevas genera­ciones no conocen del pasado reciente porque este es omi­tido en las instituciones de enseñanza oficial.

–Creo que mi interés viene más por el amor o la necesi­dad de catalogar, investigar y ordenar documentación, es algo que desde chico me gustó mucho. Durante mis estudios encontré una afinidad con los documentos, ya sean fotogra­fías, diarios o fragmentos de films. Había algo ahí que me hacía investigar un pasado que me era ajeno, pero sonaba muy cercano.

–Soy egresado de la carrera de Diseño de Imagen y Sonido de la Facultad de Diseño y Urbanismo de la Universi­dad de Buenos Aires. En 2019 tuve la oportunidad de ganar el premio Lumière, otorgado por la Alianza Francesa de Asunción en conjunto con el Fondec (Fondo Nacional de la Cultura y las Artes). Eso marcó el comienzo de mi carrera. El premio consistía en participar en la Universi­dad de Verano de La Femis; es un programa apoyado por el Ministerio de Europa y Asun­tos Exteriores. Su objetivo es ayudar a los participantes a adquirir las herramientas esenciales para realizar pelí­culas documentales y desa­rrollar su enfoque artístico.

–Continué mi formación en la Universidad de Verano del Documental, en el 72.º Festi­val de Cine de Locarno, orga­nizado por la Universidad de la Suiza Italiana y el Festival de Cine de Locarno, en cola­boración con la Semana de la Crítica. Participé en el semi­nario Archives in Non-Fic­tion Film (Archivos en pelí­culas de no ficción) impartido por Onyeka Igwe en el Uni­versity College de Londres. Formé parte del seminario online “Desafíos del patrimo­nio cinematográfico”, orga­nizado por el INA (Institut national de l’audiovisuel ) y la FIAF (International Federa­tion of Film Archives). Ade­más, formé parte de Berli­nale Talents, Málaga Talent, IDFAcademy, entre otros.

–La idea del documental surge de una curiosidad muy simple. Un día en Buenos Aires fui a ver una película que se llama “El fondo del aire es rojo”, del director francés Chris Marker, una película hecha completamente de archivos que reflexiona sobre los partidos comunistas alre­dedor del mundo. Esta pelí­cula despertó en mí una pregunta: ¿qué se filmó en Paraguay? Desde ahí empecé a investigar sobre las prime­ras producciones hechas en Paraguay y filmadas por extranjeros en Paraguay. Conté así con la ayuda de Ray Armele, Manuel Cuenca, Ana Martini y otros investi­gadores en el Paraguay que ya vienen realizando este tra­bajo desde hace mucho más tiempo que yo.

–Al investigar y encontrar muchas horas de material alrededor del mundo, empecé a dilucidar que había un fac­tor en común en esos mate­riales: totalitarismo, propa­ganda y censura. Encontré un diálogo en las formas de representación, tanto de los materiales encontrados en Paraguay como los encon­trados en el extranjero. En paralelo, con mi indagación fílmica empecé a investigar teórica e históricamente ese periodo con la ayuda de Ana Barreto Valinotti y Milda Rivarola. Quiero aclarar que en el colegio no me enseñaron sobre la dictadura de Alfredo Stroessner. Nuestra clase de historia terminaba en la gue­rra del Chaco. A partir de los archivos yo empecé a enten­der y estudiar la historia de mi país, sumados a una vasta bibliografía que acompañó mi conocimiento y reflexión.

–Este trabajo no lo hice solo. Muchas personas me han ayudado para poder acceder a muchos canales de tele­visión y cinematecas en el exterior. Durante la pande­mia empezó la investigación internacional y formé parte del seminario de Investiga­ción y Producción de Archivo en el Documental, den­tro de la maestría de Perio­dismo Documental, dictado por Laura Tusi en la Untref (Universidad Nacional de Tres de Febrero) de Bue­nos Aires. Esto me otorgó las herramientas necesa­rias para hacer esta investi­gación. Del lado paraguayo tengo que agradecer especial­mente a Ray Armele por su excelente trabajo realizado en Asunción Audiovisual.

–Partimos de una idea crono­lógica, 1954-1989. Aunque esa cronología es un hilo conduc­tor, los archivos van conflu­yendo entre sí, rompiendo la cronología y amalgamándose plásticamente y/o en bloques de sentido, haciendo así un viaje de archivos visuales.

–Empezamos una investi­gación de tres años y en un momento decidimos cerrarla porque parecía inabarca­ble. Estuvimos todo 2022 y parte de 2023 con Manuel Embalse (montajista) y Sofía Monardo (asistente de direc­ción) visualizando archivos y haciendo notas para tener en cuenta cada elemento que contenía cada clip que íba­mos encontrando, ya sean elementos como autos, árbo­les, etc., y/o personajes polí­ticos o momentos históricos, etc. Una vez catalogado todo, empezó el proceso de escri­tura, un proceso de escritura por secuencias, por bloques de sentido.

–Empezamos a armar esos bloques de sentido acom­pañados de la música com­puesta por Andrés Montero Bustamante y Julián Galay, y empezó a tener forma. En el proceso de montaje fui­mos probando ideas nue­vas y fue un proceso largo de ida y vuelta hasta que encontramos la película, cada proceso de montaje es único. El proceso de visio­nado y montaje de la pelí­cula se hizo con los archi­vos en marca de agua. Una vez que terminamos el mon­taje y pudimos finalizar la financiación, pudimos ver las imágenes en su totalidad, casi otra película.

–Es más bien un viaje, un recorrido en fragmentos de imágenes, de registros fílmi­cos oficiales de la dictadura, de archivos escondidos y recuperados y explora la dic­tadura de 35 años de Stroess­ner y los efectos que resue­nan hasta hoy. Cuenta cómo el dictador llegó al poder, cómo fue haciendo eleccio­nes fraudulentas para man­tenerse por tanto tiempo, las alianzas internacionales que lo mantenían a flote, obras grandilocuentes y su poste­rior asilo político y muerte en Brasil sin ser juzgado.

–Formamos parte del Forum, espacio de industria del Fes­tival Hot Docs, festival más importante de documental de Norteamérica y ganamos el premio First Look Award. El público estaba fascinado con el proyecto y desconocía gran parte de la historia del Paraguay y no tenían cono­cimiento de que tuvo una de las dictaduras más largas del mundo.

–¿Podrías decir que existe un contraste claro entre la forma en la que nos veía­mos (y vemos) a nosotros mismos y nuestro pasado en relación con la forma en la que los materiales que obtuviste cuentan que somos?

–Es difícil esa pregunta. Yo creo que nos vemos en frag­mentos, nos podemos visua­lizar en lo que se encuentra. Al no tener una institución que resguarde todo el mate­rial fílmico hecho alguna vez en Paraguay, es difícil dedu­cir una manera de compor­tarnos o ser como sociedad. Estas instituciones funcio­nan como espacio de salva­guarda que desprenden estu­dios, ya sean sociológicos, antropológicos, urbanísti­cos, arquitectónicos, etc.

–A partir de una cinemateca y el estudio de la cinematogra­fía de un país se puede llegar a muchas investigaciones y estudios de una riqueza ina­barcable para la concepción de identidad. Como no es el caso que me tocó, debo decir que a partir de los materiales oficiales (digo oficiales por­que no trabajo con materiales familiares), elijo reflexionar cómo el poder nos veía, ya sea el poder local o extranjero. El poder elige qué mostrar, elige cómo mostrar al dicta­dor y cómo mostrar al pueblo según el poder. Es así que los materiales que obtuve y elijo mostrar tienen una mirada hecha desde el oficialismo, es decir, desde el poder. Lo que yo intento hacer en esta pelí­cula es la deconstrucción de la imagen del poder.

–Tendremos nuestro estreno mundial en la sección Pano­rama de la Berlinale, un espa­cio competitivo para el cine internacional contemporá­neo, que permite al público curioso la posibilidad de des­cubrir películas que ofre­cen fricción y proporcionan material para el debate. Aún no tenemos una fecha con­firmada para el estreno en Paraguay.

La actriz Demi Moore nunca tuvo una nominación al Óscar y solo logró dos nominaciones a los Globos de Oro en la década de 1990, época en que fue la reina de la taquilla mundial. Por eso, ayer domingo, al ganar el Globo de Oro a la mejor actriz en un musical o comedia por “La sustancia”, fue como si volviera a nacer desde adentro… tal como relata ese poderoso filme de horror sobre estándares de belleza en la industria.

Considerada en 1991 por “Ghost: La sombra del amor” y en 1997 por el telefilme “Si estas paredes hablaran”, el reconocimiento llegó tres décadas después para esta estrella de 62 años, que en la velada de premiación venció a Amy Adams (“Nightbitch”), Cynthia Erivo (“Wicked”), Karla Sofía Gascón (“Emilia Pérez”), Mikey Madison (“Anora”) y Zendaya (“Desafiantes”).

Tras protagonizar “Cuestión de honor” (1992) de Rob Reiner, con Tom Cruise y Jack Nicholson; “Propuesta indecente” (1993) de Adrian Lyne, con Robert Redford; “Acoso sexual” (1994) de Barry Levinson, con Michael Douglas, o “Hasta el límite” (G.I. Jane, 1997) de Ridley Scott; Moore llevaba dos décadas sin un papel importante, descontando un par de producciones independientes.

Recordada también por haber estado casada con Bruce Willis (1987-2000), luego con Ashton Kutcher (2005-2013); en mayo de 2024 tuvo su reaparición triunfal en pantalla grande, con el estreno mundial de “La sustancia” en el Festival de Cannes (Francia), donde fue premiado el guion de la directora francesa Coralie Fargeat, y que llegaba a los Globos de Oro con cinco nominaciones.

En “La sustancia”, Demi Moore interpreta a una desvanecida actriz de Hollywood que es despedida de su programa estrella al cumplir 50 años. En medio de su angustia, acepta una droga de un misterioso laboratorio que promete transformarla en una versión mejorada de sí misma, que es interpretada por Margaret Qualley, de 30 años. Ambas actrices compartieron una divertida escena al presentar uno de los premios de los Globos de Oro.

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“¡Oh, wow! Realmente no me esperaba esto… Estoy en shock ahora mismo. Llevo mucho tiempo en esto, más de 45 años, y es la primera vez que gano algo como actriz. Y me siento tan honrada y agradecida”, expresó Demi Moore, al recibir su trofeo en la entrega número 82 de los Globos de Oro, en el icónico Beverly Hilton de Los Ángeles (Estados Unidos), uno de los principales indicadores de la temporada de premios de Hollywood, rumbo a los premios Óscar.

“Hace 30 años, un productor me dijo que yo era una ‘actriz pochoclera’. Entendí que el reconocimiento no sería algo que se me permitiría tener, que podía hacer películas que tuvieran éxito, que ganaran mucho dinero, pero que no me reconocerían, y yo acepté y creí en eso. Y eso me corroyó con el tiempo, hasta el punto que hace unos años pensé que tal vez esto era todo, quizás había hecho lo que debía hacer. Y justo cuando estaba en un punto bajo, apareció en mi escritorio este guion mágico, audaz, valiente, original y absolutamente descabellado llamado ‘La sustancia’. Y el universo me dijo que aún no había terminado”.

“Y estoy muy agradecida a [la directora] Coralie [Fargeat] por confiar en mí para interpretar a esta mujer. Margaret [Qualley], por ser la otra mitad de mí, de la que no podría haber prescindido, por cuidarme. A las personas que han estado conmigo durante más de 30 años... a todas las personas que han estado a mi lado, especialmente a las personas que han creído en mí cuando yo no he creído en mí mismo”.

“Y los dejaré con una cosa que creo que esta película transmite: en esos momentos en los que no creemos que seamos lo suficientemente inteligentes o lo suficientemente bonitos, o lo suficientemente delgados o lo suficientemente exitosos, o básicamente no lo suficiente. Una mujer me dijo: ‘Debes saber que nunca serás suficiente. Pero puedes saber tu valor si simplemente dejas la vara de medir’. Y por eso hoy celebro esto como un signo de mi plenitud y del amor que me impulsa y por el regalo de hacer algo que amo y recordar que pertenezco a un lugar. Muchas gracias”.

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