Al cumplirse este sábado 22 años de la tragedia en el barrio Trinidad de Asunción, en el Sitio de la Memoria 1A se erige la escultura denominada “400 palomas de esperanza”, un proyecto participativo creado por el Juan Pablo Pistilli, que busca transformar el duelo en memoria colectiva y en un mensaje de esperanza para familiares, sobrevivientes y toda la ciudadanía. Tiene forma de paloma gigante cuyas alas están compuestas por 400 palomitas de metal, que llevan grabado el nombre de cada víctima del incendio del supermercado Ycuá Bolaños, el 1 de agosto de 2004.

“Inmediatamente proyectamos la necesidad de conquistar este espacio para la memoria, para la comunidad. A mí como artista particularmente me cambió. Es un antes y un después porque ahí yo entendí que la obra no me pertenece”, explicó el escultor Juan Pablo Pistilli, trinidense y autor de la pieza, indicando que el proceso de creación marcó un antes y un después en su mirada sobre el arte. Con la idea de que la comunidad se apropie del memorial, se invitó a familiares y amigos de las víctimas a participar, dejando su huella en cada una de las 400 palomitas que forman las alas de la paloma.

“A mí me emociona mucho ser parte de un mensaje de dar esperanza dentro de tanto sufrimiento. Queríamos que sea participativa, que sea una obra que impacte, que quede. En cada una de las palomitas nosotros dejamos el nombre de nuestro ser querido que no está”, expresó Liz Torres, sobreviviente del incendio junto a su marido, quien integró el equipo que trabajó en la escultura. Para ella, el taller se volvió un espacio de contención.

“Cuando venía la gente a dejar su marca escuchábamos lo que habían pasado cada uno y fue como una catarsis colectiva porque ahí llorábamos todos. Parecía que uno cobraba más fuerza para poder expresarse y dejar esta obra que es el trabajo de todos, pero para dar un mensaje de esperanza también”, recordó Torres con emoción las jornadas de trabajo. “Creo que hemos logrado a cabalidad el objetivo que se tenía: que sea un símbolo de vida, que sea un símbolo de esperanza”, concluyó.

El incendio del supermercado Ycuá Bolaños, sucursal Botánico, ocurrió alrededor de las 11:20 del domingo 1 de agosto de 2004. El local estaba abarrotado de clientes y, según las investigaciones, varias salidas de emergencia permanecieron cerradas, lo que dificultó la evacuación y aumentó el número de víctimas. Conocida como 1-A-04 o “1-A”, la tragedia dejó cientos de fallecidos y heridos, y marcó profundamente a Asunción y a todo el Paraguay. Hoy el Sitio de la Memoria y Centro Cultural 1A - Ycuá Bolaños funciona como espacio de recuerdo, educación y cultura. La paloma con sus 400 palomitas se consolidó como el principal símbolo del lugar.

El primer libro de asesoría de imagen en Paraguay que revela un método profesional propio llegará al mercado editorial para desafiar los estándares rígidos de belleza y proponer un enfoque estratégico basado en la identidad de las personas. Se trata de la obra titulada Revive tu imagen y tu poder, escrita por Giselle Leiton, una especialista con seis años de trayectoria en el rubro, quien vuelca sus secretos profesionales y experiencias reales en este material de lectura.

El lanzamiento oficial de la publicación está programado para el próximo martes 2 de junio a las 19:00, en las instalaciones del Centro Paraguayo Japonés. Durante el encuentro, los asistentes podrán acceder a la compra del ejemplar a un precio especial de presentación y participar de la correspondiente sesión de firma de autógrafos por parte de Giselle Leiton.

La propuesta central del texto radica en la ruptura de los paradigmas tradicionales y los estereotipos superficiales que históricamente se asociaron al cuidado de la estética. A través de relatos y casos verídicos de clientes —resguardados en el anonimato—, el contenido demuestra cómo una imagen planificada y coherente fortalece la autoestima y la autoconfianza, sin necesidad de encajar en moldes corporales perfectos o irreales impuestos por la sociedad.

Te puede interesar: “El precio del Pasaje”: el film impulsado por el Gobierno contra la trata y el abuso sexual en niños

Estructuralmente, el núcleo del libro se desarrolla mediante el acróstico que da nombre al método, constituyendo una hoja de ruta detallada de seis pasos fundamentales para el lector: reconocer la historia del cliente, evaluar su identidad, valorar su armario actual, incorporar la sostenibilidad, vestir con propósito y, finalmente, lograr el empoderamiento integral.

El material bibliográfico está diseñado con un doble alcance de público: busca guiar de forma práctica a personas interesadas en potenciar su presencia tanto personal como laboral desde el respeto a su esencia, y apunta a brindar herramientas a colegas del sector para que ejerzan la profesión desde la empatía, generando transformaciones que resulten sostenibles en el tiempo.

Lea también: Premio Princesa de Asturias celebra el compromiso antiautoritario de Garton Ash

La playa de Ybycuí, en Carmen del Paraná, suma un nuevo atractivo con el avance de una imponente escultura de Cristo crucificado, una obra de gran envergadura que ya capta la atención de visitantes en el marco de la Semana Santa.

El proyecto es impulsado por los artistas Óscar Arena Garcete y Mariana Goncalves, quienes trabajan en una estructura que alcanza aproximadamente 21 metros de largo y 13 metros de ancho, destacándose por su magnitud y valor simbólico.

La escultura se perfila como un punto de encuentro para quienes buscan un espacio de fe, reflexión y recogimiento, en una de las épocas más significativas del calendario cristiano. Su presencia refuerza además la propuesta turística de la zona, combinando arte, espiritualidad y naturaleza.

Te puede interesar: Tradiciones de Viernes Santo se mantienen vivas en Paraguay

Desde el distrito invitan a turistas y fieles a acercarse a este sitio, que promete consolidarse como un ícono regional, capaz de atraer tanto a visitantes nacionales como extranjeros.

Con esta iniciativa, Carmen del Paraná apuesta a fortalecer su posicionamiento como destino turístico, especialmente durante celebraciones religiosas, ofreciendo una experiencia que integra cultura y devoción en un entorno natural privilegiado.

Paz Moreno Re obtuvo el primer puesto con su obra “Trescientas”, que incorpora al ñandutí y la realidad aumentada para hablar de la historia de las mujeres paraguayas.

• Por Jimmi Peralta
• Fotos Gentileza

“La obra reflexiona sobre un hecho que no se conoce: 300 muje­res que fueron trofeo de gue­rra durante la toma de Asun­ción al término de la guerra contra la Triple Alianza. Ellas fueron llevadas a la plaza de los héroes (detrás del Pan­teón) y ahí vivieron los peo­res crímenes de guerra”, comenta la artista visual Paz Moreno Re, ganadora del Pre­mio Henri Matisse 2026, con su obra “Trescientas”, que fue el punto de inspiración de su creación ganadora.

“Mi escultura está inspirada en el grabado del cabichuí de dos mujeres luchando con el jaguareté, yo instalo esta obra en la plaza y con la rea­lidad aumentada (mediante una app) cuando posiciono el celular ellas están presentes en la plaza. Y se las recuerda”, agrega.

El pasado miércoles tuvo lugar el acto de premiación y apertura de exposición de las obras distinguidas, en el marco de la edición 28 de este concurso organizado por la Embajada de Francia en Paraguay, la Alianza Francesa en Asun­ción y Gente de Arte.

“Desde 2017 vengo investi­gando y aprendiendo herra­mientas para poder crear, en 2024 fui becada en el pro­grama Expylab laboratorio de experiencias inmersivas y ahí me enseñaron cómo la tecnología puede apli­carse a procesos de crea­ción. Entonces para mí todo lo que aprenda puede incor­porarse a mi lenguaje artís­tico”, explicó la artista.

El jurado, compuesto por Laura Gérard, Lucie Breche­tte, Fredi Casco y Arnaldo Cristado, destacó la potencia con la que la artista articula la memoria histórica, desarro­llando un lenguaje escultórico y recursos tecnológicos para visibilizar un episodio silen­ciado de la historia paraguaya.

Paz se formó en el Instituto Superior de Arte, donde comenta que aprendió a amar la curiosidad y la experimen­tación.

“Lo textil es mi manera de expresarme, es donde encuentro hoy por hoy cami­nos para explorar y muchos desafíos que me hacen feliz transitar. En el caso del ñandutí, es una técnica que tiene mucho por mostrar poética y materialmente. Me emociona llevarlo al otro continente y ponerlo a dialogar con otras técnicas”, comentó.

El primer lugar en el Matisse otorga una residencia artís­tica de 10 a 12 semanas en la Cité Internationale des Arts en París, incluyendo pasaje, alojamiento y viáticos.

Según explica la artista, su investigación tiene la base de la experimentación del ñandutí, lo que se observa en “Trescientas”, y en ello aborda “otros lenguajes atra­vesada por mi ser mujer y las historias de otras mujeres”, en sus palabras.

Camila Ocampos se quedó con el segundo puesto en el Matisse 2026, con sus obras “Umbrales I y II”. “Ambas obras parten de la instalación, la primera (‘Pieles de carnaval’) es una pieza textil con silicona dispuesta en un soporte de madera; mientras que la segunda (‘Sudor y baterías’) es un video en anima­ción 2D con una narrativa más experimental, que se aleja de la estructura con­vencional lineal, insertada en una gran caja”, explica Camila Ocampos la natu­raleza de su propuesta artística que la llevaron a obtener el segundo puesto en el Premio Matisse 2026, con sus creaciones “Umbrales I - La primera, pie­les de carnaval”, y “Umbrales II - Sudor y baterías”.

El reconocimiento fue otor­gado por creaciones que abordan las tensiones entre la intimidad, el cuerpo y la exposición. Su trabajo logra construir una poética material que vuelve visible lo oculto. Camila es licenciada en Diseño de Indumentaria por el Instituto Supe­rior de Arte Dra. Olga Blinder y en Cinematografía por la Universidad Colum­bia del Paraguay, instituciones en las que también ejerce la docencia.

“Con estas obras establezco un diálogo con mi experiencia con la ansiedad, sobre el miedo a la exposición, a esa otra mirada que siempre está, incluso de una para con­sigo misma. Las consecuencias, y en momentos, causas de esas inseguridades y, sobre todo, cómo eso se plasma en el cuerpo y cómo el cuerpo lo atraviesa”, explica la artista. Las obras premiadas incorporan a la tecnología y se desarrollan en una segunda plataforma, ampliando la narrativa y el ámbito de sensibilidad a otro territorio.

“Son temáticas que parten de lo personal, pero al exponer o expresar lo particular espero –y creo– se puede empezar a conversar y trasladarlo a un tema compartido, se vuelve colectivo. Al final, muchas personas experimentan miedos, inseguridades, y atraviesan problemas de salud mental, y aunque mi experiencia no representa un colectivo ni pretende hacerlo, sí espero provoque una apertura a esos temas, donde lo particular pueda ser compartido”, concluyó.